As a representative of AMD Berlin, I had the privilege of participating in an Erasmus BIP program, a collaborative effort between METU, SAPIENTIA, and AMD Akademie Mode und Design. I joined the project with a colleague and ten students, many of whom were visiting Budapest for the first time. Over five dynamic days, we explored the complexities of circular fashion and its relationship to sustainability in the European context. The program was filled with engaging workshops, discussions on EU strategies, and case studies on sustainable fashion models. We worked together to understand the challenges and opportunities of circular design, from overproduction in fast fashion to the importance of transparency in the fashion industry. Through group projects, film screenings, and hands-on workshops, we gained a deeper understanding of how small brands can thrive in a sustainable fashion market while contributing to the larger EU goals of circularity. The experience was both enlightening and empowering, offering fresh perspectives on the future of fashion.

https://issuu.com/ffveetgtg/docs/bip_metu_ebook

REWILD - Rewilding is about letting nature take care of itself, enabling natural processes to shape land and sea, repairing damaged ecosystems and restoring degraded landscapes. Through rewilding, wildlife’s natural rhythms create wilder, more biodiverse habitats with an emphasis on humans stepping back and leaving areas to nature.

Rewilding, when applied to humans, could also mean our return to the essentials, in order to reconnect with nature and our natural state of being. A return to the untamed aspect of ourselves, inherent in all of us. While the world becomes increasingly complex, a nature-oriented lifestyle promises conditions that are coherent and fair for every creature. It also promises space for spontaneity and joie de vivre.

In this context, the conservation of natural habitats is no longer sufficient: the desire to create new habitats, a new coexistence with nature and its wilderness – and consequently one’s own wildness – is the goal of this “Rewilding“ concept.

With this in mind, this collection is dedicated to all the endangered species that will vanish forever, if humankind doesn’t learn to coexist with nature now. It is a celebration of nature’s diversity, which we often enjoy as lifestyle but must also learn to cherish as something vulnerable and in need of protection. But it’s also about stepping back and allowing ourselves to lose control and letting the wilderness teach us how to live a meaningful life.

Creative Designer: Fredericke Winkler | Photography: Georg Roske | Set Styling: Berit Hoerschelmann (Liganord Agency) |
Video Clips: Elena Schröder | On Site Project Coordination: Oliver Schmid | Art Direction Digital: Orkide Daniel | Location: Buenavista Lanzarote Country Suites | Location: @famarasoulsuite | Location scout: @orkidee_studio

https://www.zimmer-rohde.com/de/lookbooks/rewild

https://youtu.be/qRd4UEaktOY

UTOPIA - Is there any greater incentive than the dream of a better life? And is there any greater motivation than a better life for all? Surely not. The dream becomes a vision and the vision becomes a concrete plan for the best possible future, a utopia. And even if it cannot be realised in its entirety, it can still serve as a guiding light and goal.

Because one thing is for sure: the path to a better future is much easier to follow if you come equipped with a good plan. And this is the path that Hodsoll McKenzie have chosen to take with their 2021 collection.

Moving forward, the goal is to create solutions for environmental issues within the industry. Natural materials will be sourced responsibly and within the local region when possible. The production processes will strive to be environmentally friendly and innovative; also the designs shall honor their textile culture and history. The fabrics are intended to enable users to design spaces that are in harmony with nature, not just aesthetically but intrinsically.

These fabrics aim to help create an oasis that simultaneously promotes safety, health and invites people to dream of a better future. After all, it is no coincidence that many a utopian novel is set on a desert island, as this landscape enables one to implement possible solutions on a small scale.

Many of the fabrics in the 2021 collection bear the names of real and fictional islands. The Garden of Eden is as present as an animal that has paradise in its name. This collection represents Hodsoll McKenzie's first steps towards sustainability. The journey is long, but what better reason to embark on an adventure towards the prospect of a better future?

Photographer - Georg Roske / Set Styling – Berit Hoerschelmann | Helping Hands – Jessie May Thomson & Giulia Consiglio | Digital Operator – Luis Bompastor

As Design Director for Hodsoll McKenzie I was responsible for the design and the development of the collection, the art direction of the imagery as well as the overall concept of the promotional material.

In this is what the collection is about (German version below):

The first World’s Fair in 1851 was a spectacle, the likes of which had never been seen before. More than 17,000 exhibitors from 28 countries accepted Prince Albert’s invitation to come to London’s Hyde Park and set up exhibits to show off the progress and wealth of their country. A flood of goods from all over the world poured out across more than ten hectares of land, transforming the event into the 19th century’s very own Babylonia. The Great Exhibition, as it is often called, still serves as a snapshot of industrial history and was also the birth of British design. However, it is also considered the birth of the Arts & Crafts movement, which feared a decline in quality and culture due to the upswing in industrial production. This year's collection by Hodsoll McKenzie operates in this area of tension between futurity and awareness of tradition.

Die erste Weltausstellung im Jahre 1851 war ein Spektakel, das es seinerzeit noch nie gegeben hat. Mehr als 17.000 Aussteller aus 28 Ländern folgten der Einladung in den Londoner Hyde Park und zeigten Exponate, die den Fortschritt und den Reichtum ihrer Herkunft bewarben. Auf mehr als 10 Hektar ergoss sich ein weltumspannendes Warenmeer, welches die Veranstaltung zum babylonischen Sinnbild des 19. Jahrhunderts machte. Bis heute gilt die Great Exhibition als historischer Augenblick in der Industriegeschichte sowie als Geburtsstunde des British Design. Sie gilt jedoch auch als die Geburtsstunde der Arts & Crafts Bewegung, die durch ebenjenen Aufschwung der industriellen Fertigung einen Niedergang der Qualität und Kultur befürchtete. In diesem Spannungsfeld zwischen Zukunftsoptimismus und Traditionsbewusstsein, bewegt sich die diesjährige Kollektion von Hodsoll McKenzie.

https://www.zr-magazine.com/hodsollmckenzie

In Mai 2018 I undertook the Design Direction for British interior textile brand Hodsoll McKenzie under the roof of textile editor Zimmer & Rohde. This is my first collection.

My very first step was to define what the brand stands for. Hodsoll McKenzie has always built a bridge between ratio and temper, sophistication and a down-to-earth-attitude, Great Britain and USA as well as between British history and international zeitgeist. With this collection we refocus on these roots, these strong and just seemingly contradictory characteristics of Hodsoll McKenzie.

Hence my first collection ‘Brigde’, goes back to the Great Britain of the 1930s when artists and designer have been driven by the pervasive impact of the industrialisation which has radically changed means, esthetics and possibilities but also has threatened slow handicraft processes. A new simplicity has arosen, function was no longer just a bothering obligation but a source of beauty. These times were full of contradiction: serial production versus manufacturing, rediscovering nature while urbanizing, appreciating tradition and seeking for innovation. All is about decoration against pureness and hard materials combined with soft ones. Using gentle colors and forms to create cosyness in the straight interiors of that time. A style that is more up-to-date than ever and build the common base of contemporary taste and meaningful design of the new century.

It is the times when artists like British sculpturist Barbara Hepworth and graphic designer Marion Dorn created one-of-a-kind textiledesigns for Edinburgh Weavers and Warner.

Meanwhile US-artists like Milton Avery, who is said to be the American Matisse, as well as artist Mark Rothko have evolved a radically new understanding of colors.

Brigde transfers this field of tension betweentradition and innovation on todays interior lifestyle.

The colors of the collection remain true to theclassic Hodsoll McKenzie palette – soft andlight watery tones, blue hues and elegantearthy, neutral tones. But they are going to be accentuated by bold and warm colors such as mustard, terracotta and a bright agave green –all inspired by the landscape paintings of Milton Avery and the urban field painting of Mark Rothko.

This is why this collection bridges the gap between yesterday and tomorrow in every respect as well as between cosy British country houses and sophisticated living spaces of todays metropolises. Adorable but quiet, not on stage but creating the set of it, the collection provides confidence of style and refinement.

My task was to create an artistic representation for the Zimmer + Rohde Fall 2021 collection. I researched four collage artists from different countries and provided them with the collection images, so they could work them quite freely into collages in their personal style. The result are these wonderful works, which are actually all handmade.

Many thanks to the artists:

The Scissorhands - Munich

Paola Dcroz - Spain

Rachel Anne Duffy - New York

John Whitlock - New York

The magazine Deco Home (03/2020) published a wonderful interview I did with my two colleagues Allison Block (Design Director Travers) and Elodie Deletoille (Design Director Etamine) during the Deco Off in Paris in January 2020. Since many colleagues and friends asked me for an original version in English, I want to make it available here in full length to all of you.

Fredericke: Such a rare and precious circumstance that the three of us are physically able to sit together and not communicating via text. Since you both have just launched your first collections for Zimmer & Rohde and I am about to finalize my second, it feels like a good moment to reflect on our brands and what makes them unique and different from each other.

Elodie: Well, at the center of the DNA of Etamine is color, specifically French colors. And French paintings are a good first way to look at them. It is then that you can catch an international point of view about what is considered French color, and that is where the idea for my first collection came. When I was in the Matisse Museum a year ago I thought it was interesting to keep this in mind. The second step was to create a precise color concept. I wanted to focus on flowers, and decided to explore seasonal colors: winter colors which are more snow white, pearl and grey. Then spring colors: the purples, the fresh greens. And if you go further into summer, the colors are more generous with warm pink, apricot, orange and lemon yellow. I finished the palette with more rustic Autumnal colors like a terracotta, warm beige and burgundy.

Allison: Interestingly, my starting point was very different. I felt like the brand itself had lost its identity a bit over the past few years and for my first Travers collection it was important to me to find a way back the brands roots. I started by scouring the design archive, and it is there I found 3 designs to revive in my first launch, one of which was the original document for the elephant print ‘Singita Parade’. This print was sort of the birth place for the ‘Out of Africa’ collection. I saw this pattern and I thought ‘I have to use this!’ It was then that I started layering in other designs and patterns that worked well together to create a larger story. Original artwork was developed to create an embroidered Safari scene to round out the collection. Similarly, for the ‘Central Park’ collection it started with the two main designs. During the same week I first found a floral document in the archive of an Italian printing mill and then I saw the ‘Central Park Toile’ in the design portfolio of my intern. There were two very different stories and I wanted to explore both, so instead of one large collection I created two smaller ones.

Elodie: I had to start from scratch, because there is no Etamine archive, which makes it difficult. Of course I worked with mill archives. I found ‘Le Bouquet’ in the archive of a printing mill in Manchester and ‘Polynésie’ at a mill near Lake Como in Italy.

Allison: For color I don’t work with a set color palette. I like to think of color independently for each design, with the intention to be cohesive as the designs work together. In America it’s a little bit different where we don’t want the same green or the same blue across every pattern in the collection. I love to have the nuance and the cast twists to create this larger lifestyle story.

Fredericke: Before developing a collection for Hodsoll McKenzie I invest a lot of time in the research. And then during the process of development, it’s important for me to remind myself about my initial excitement during the research stage. What was the original document that I was amazed about in the first place? Often I push documents and designs further with coloration and by modernizing the patterns. I sometimes lose the big picture of the original during this process. And then I go back and notice that it was more about the blue that excited me, and I suddenly know that I must conserve this blue. I always try to keep the original color of my documents in the loop until the last decision phase.

Allison: Yes, It’s interesting to see how you can come full circle sometimes. I too always try to include the original documentary colorway in the mix. I’ve been coloring multicolored prints for 15 years and the quirky unexpected color combinations found in the original historical documents are something I like to preserve. For instance, we included the original coloration for ‘Cape Floral’ in the collection. The design came from the mill in the UK and the colors on the historical document really suited the print. We included it even though it doesn’t necessarily layer into the larger color palettes. I like to think that everything has to stand on its own independent of the larger collection.

Fredericke: Developing a Hodsoll McKenzie collection, I focus on three processes at the same time. The first is entirely emotional, I see fabrics or designs and I fall in love. Here I often notice that I always go for a certain texture or color, maybe even one I did not like before and all of a sudden it speaks to me. Then there is the technical process, for instance, introducing a certain new category or style in the collection. The third process is intellectual. Since I am a design theorist, which means that I studied the psychology, philosophy and history of design, I decide on a particular moment of British design history as inspiration. And from there I explore the collection. So for 2020 I went back to the 19th century and the beginning of industrialism to capture the tension of traditional handcraft versus new industrial techniques of manufacturing textiles. This theme is important for the DNA of Hodsoll McKenzie.

Allison: Our two approaches are so different. It’s very rare for me to be able to have such a clear point of view of what I am trying to accomplish before I start working. It is a much more organic process as I collect and see how I want it to take shape. It’s just kind of incredible when I start layering the qualities, designs and patterns together, how they start to take on their own personality and character. There will always be a starting point and then the theme solidifies as I start working.

Elodie: I went to this exhibition of Henri Matisse and I found it to be a good guideline, but I do not stick 100% to these guidelines. I store it somewhere in my head, but do not focus on that to create my collection. I like to fall in love with the designs I find in the archives of mills and suppliers. Designs can talk to me, I think about how maybe they may have a chance in the collection and how I can tell a story. The structure of the collection is more about how a room is designed. As soon as I select a design I determine its use. Is it for the living room because it’s more expensive and people want to show it off? Or is it maybe more discreet and would it create a very relaxed and cozy bedroom interior? A sheer might be the perfect choice for the kitchen because it’s washable. I always try to picture how it will be used. This is very important for me.

Allison: I feel that for Travers I wanted to build a lifestyle brand, meaning that the collections offer a complete range of fabrics to use throughout the home. This year we’ve added a new category for Travers. We did not have wide width sheers, and it felt like a missed opportunity. And so when I’m creating a collection I am thinking about the need for upholsteries, draperies, decoration and sheers. It is important to also consider every room and house, otherwise you again loose opportunities. That is why I believe color is so important. You can sort of decide what environment and room in the house you want to put the textile based on mood and color creates this mood.

Elodie: Personally my favorite room is living room, with the main focus on my fireplace. I love the moments when you are around the fireplace, even in summer. It is the place where you join people and I like to make this area really comfortable, to gather important people around me. I have beautiful paintings on my wall. When developing the Etamine collection I also like to combine art, furniture, architecture and see how they talk to the textiles.

Allison: Same here, I am always thinking about the living room first, the coziest room where you entertain and have people over, where you want to sit and chat. It’s the room you use the most and where I think there is the most design opportunity. I also always tell my friends that when they are thinking about decorating their homes, they don’t need an interior designer to do the entire home at once. They should start with the most important rooms, the living room, the bedroom and the kitchen. I think these three rooms are the ones where you spend the most time and need to feel most comfortable.

Fredericke: The most important room for me personally, because I am using it so passionately, is my kitchen. And I love open kitchen spaces that are connected to the living room. I often cook for people and I want to be with them while I am cooking. I just recently moved into a new house and of course the first thing I did was to design my own kitchen. I really like rooms which are not that easy to decorate with textiles. Whereas it’s clear that you need fabrics for the living room and the sleeping room, it can be a challenge in the entrance hall. This should be an interesting room, but it’s often the emptiest space. Designing it should almost be like an exhibition space. In real life, especially in a family home, it is always full with things. Guests enter your home and can explore your spirit. I love to show artwork and photographs that are important my creative family: work of my father who is a passionate laymen sculptor, the graffiti art of my son and souvenir photos from my partner, who is a music editor.

Elodie: I agree, my second favorite place would be the entrance. It’s the first thing you see when entering a home. And it’s like with a person: the first impression is really important. And for me, when I come back home I want to immediately feel at home. I have a small sofa with pillows in the entrance just to remove my jacket and shoes.

Allison: One of the images from my photoshoot shows the entrance way of the home that we shot. I hadn’t thought about decorating an entrance this grand before. But as I began scheming, the decision to make a screen with the elegant lampas and pillows for the bench in the linen floral created this elevated environment that set a welcoming tone for what was to come deeper into the house. So I agree that it’s really important.

Elodie: I just moved into a new very modernist home that we designed for three years with an architect and I wanted to install these beautiful fully embroidered curtains, like Sonja Delaunays. To feel like it was a museum on my wall, to give it a further function than only covering the windows.

Allison: You two live in these beautiful homes, I live in New York City where apartments tend to be much smaller. My living environment is a collection of treasures I’ve bought during my travels and it’s really layered together to feel super cozy. But for the longest time I wanted it to be more neutral because we work so much with color and... E: Aaah, I agree!

Fredericke: Me too. I had this problem with my clothes too, for the longest time I was only wearing black. Just shortly colors came back into my closet. A: For a very long time my apartment was more neutral, cozy but neutral. And only recently did I have this breakthrough, where I really wanted to add color. And I bought a new rug and I changed the chair and pillows. It’s very different now when I walk in and it just proves that making a subtle change like new throw pillows on your sofa can start to change the DNA of your environment. F: What made you change?

Allison: Honestly, I don’t know. I think maybe it has to do with the change of job positions. Being a design director means I can really be more focused at work. I can spend a lot more time on the layout and coloring of designs; being more methodical and having the time to give each design the respect that it deserves to make it perfect. Whereas before as a senior designer at another company I felt that I needed to get as much done as I possibly could in the shortest amount of time and I wasn’t really able to be intentional about it. I think my brain was a little more frantic. And now, because I can be a lot more focused during my day I have more opportunity to be more relaxed in my home.

Elodie: Decorating was a crucial part of my education because my family deals antiques. And since I was a child everything in my home changed frequently. My father would buy a painting and a day later it was sold. Sometimes a table would stay for five or six years, but eventually it got sold too. As a young kid I would change my bedroom making use of my father’s furniture storage. Still today I love the creative process and the fact that I can always open an new chapter. As soon as I move something in my home I personally have the feeling that also something new can happen. The page is now white and I can start again.

Fredericke: That’s funny because I had a very similar experience in my childhood. We were living in an little estate house built in the 1920’s in South West Germany right next to the French border. The style is quite similar to the house I live in now, with beautiful wooden floors, a fire place in the living room and a large garden that was given to miners back then for self-sufficiency. My mother, she would change the interior every year. Not only the interior but also the function of the rooms, the kitchen became the study; the living room was the sleeping room all of a sudden. I loved it. Of course she would start those projects right before big events like Christmas or a big birthday. I can remember our huge family parties, in rooms that slightly smelled of paint. I loved the creativity of my mother.

Allison: My experience is so different from both of yours. My parents still live in the house that they moved into when I was eight months. The house has changed, they’ve added an addition and it’s been redone, but the function of each room has always remained the same. It’s been frequently redecorated, my mother loves interiors and I think my love for interiors and textiles comes from her. If she had known that this was an opportunity for a profession, she would have gone into the arts. So the house itself is very much the house I grew up in. There is this familiarity to it and I think I really like that it has always very much felt like home.

Elodie: I changed homes 18 times with my parents due to the fact that they always loved to renovate and to change. We moved from the North of France to the South and back. F: Isn’t it interesting? Because it’s said that the Americans love to move and leave everything behind and start something new and the Europeans prefer to stay at one place.

Allison: Oh, I didn’t know that about us. (laughs) Even in NYC, and I’ve lived here for almost 15 years, I’m only in my third apartment. I lived in my first apartment with my best friend for a couple of years and then I moved off on my own to a studio, and now I live in a one bedroom apartment in the same building and on the same floor of my former studio apartment. It’s the apartment next door! And I never really thought about this but I think I find it really important to put down roots. Things change so much around me all the time that I like to think of home as a constant.

Fredericke: Nevertheless we often tell each other that something we say or do is so French, so American, and so German!

Allison: Everybody in Germany always reminds me how American I am. And I don’t fully know what that means or if it’s a compliment or not. I think there’s one thing about Americans: We’re loud! We make sure that you know that we’re here. Yesterday we had two international sales meetings in the morning and then at four o’clock the Americans arrived and the noise level was raised so high, and there was so much energy. I felt much more at home and I didn’t realize how much more relaxed I got when it was filled with noise. Maybe that’s very American.

Elodie: I would say the French lifestyle is very eclectic. And this you can also feel in the French people. You can be classical today and casual tomorrow. And this is a part of the way we design and how we live. I could live in a five star hotel and next time I prefer the one star hotel because the view is beautiful. It’s more about emotions and the inside of things. The French creative people I meet always work with their heart. And after my presentation people told me that I am talking with my heart. Maybe this is French? Secondly I like to be ‘comme l’air,’ relaxed and to not mind too much about things. But in the end I usually reach my goals.

Fredericke: I learned how German I am when I lived in Paris in 1999: always on time, always trying to anticipate and deeply in love with structures. And whereas you both can fall back to your culture when designing your collections it’s different for me. I can remember last year at Deco Off in January, when I represented Hodsoll McKenzie for the first time, before my first collection was set to launch in the fall. I met a highly important sales agent from the States and he was very critical from the start. He looked down on me and said: ‘A German wants to design a British collection for the American Market? Well, good luck!’ and I love quoting this, because this was my first question. Will I be able to achieve a credible result? However, I quickly realized that the brand identity, the special attention to natural materials, the soft colors and the deep roots in design history, is so me! Plus I had worked for British companies before and through my studies in design history I have a very clear idea of British lifestyle. I just had to find my own approach. So I created this British collection for the American market and all of a sudden in Russia people love the collection. This is a great opportunity for Hodsoll McKenzie. One design in particular is selling very strong in Italy and so this country is on my plate too. In the end we are creating collections for the global market.

Allison: Even though different countries have generalizations that we think are indicative of them, there is always going to be an exception, always something that surprises us about what’s popular. Even here at Deco Off I am seeing all the different countries response to the Travers collection. Even though it’s to be sold globally, America is at its core and I have to primarily design for the American market. This includes how we show the fabrics in the shoots. I was going through the books with one of our European agents and she was pointing to one of the photos and how we were showing the fabric and told me how American it was and that they would never use the fabric this way. Shortly after this she was showing the collection to a customer and they were interested in that same fabric, but maybe not to be used in the same way.

Elodie: Same here, Zimmer & Rohde asked me to design a French collection, but our main market is not France, it’s the US followed by Germany and then the UK. I like this challenge. It reminds me of the Haute Couture in France that nowadays sells mainly outside of France. I asked myself, what do people outside France think of as French style? So I adapt my answer to each part of the world when I design my collection. For instance, ‘Le Bouquet’ is more classical and would be Etamine for the UK while ‘Polynésie’ which is much more modern, would be Etamine for Belgium. What’s nice is that I chatted with our agent in Belgium and she told me the three assumed bestsellers for Belgium, and her choices are exactly what I designed with Belgium in mind.

Allison: There are a lot of similarities between the Hodsoll British design sensibility and Travers American design sensibility, what should set us apart is color. British colors are much more faded and dusty.

Fredericke: True, and there is also a difference in how we use documents. Your documents are normally very clear. For Hodsoll they look more vintage, very faded and even a bit disrupted. In my collection for 2019 I play a lot with this fading effect. For example, the print ‘Andresweald’ is a very abstract leaf print that reminds me of the marks of wet leaves on the concrete during autumn. I included a beautiful indigo blue, one of my personal favorite colors. The blues along with the aquas are typical Hodsoll colors. These light green and blue hues are very British. At the moment I see a lot of monochromatic interiors in greens and blues, even dark tones. Also every shade of greige, creating a beautiful warm and cold interplay, leaving their role of being the boring commercial classic and becoming really cool. I’m seeing plenty of monochrome rooms fully kept in greige and only one color spot, like a yellow chair.

Allison: Blue of every cast, shade and value is the main color story for Travers. From very light sky blue to very dark rich indigo to true porcelain blue and white. Blue is always going to be number one in America. Whereas my personal favorite color of the collection is the emerald green. I love real rich jewel tones.

Elodie: I love the greens too, and also the yellows and natural tones. And I am really obsessed with the yellow that was launched in my collection. Germany was so afraid about my yellow because it was so true. They wanted it to be more pale or with grey. But my yellow was the one you can find in nature. I was happy to talk to an editor this morning who loved particularly my yellow. So this was maybe really French, because I did not fight for my yellow but I challenged my direction to keep many yellows in the collection, and customers and editors appreciate it. Maybe it won’t sell as good as the other colors...

Allison: ... but it will for sure create the buzz! Just like the ‘Greensward Bouquet’ in the Travers collection which goes against our typical floral designs, which usually have a quirky stem and unusual flowers, like the Jacobean Floral. But the large scale and distressed detailing of this historical floral is so classical that it will always be popular.

Elodie: In case of Etamine it’s the multicolored flowers which are not traditional nor historical, and are a bit playful. That’s what I like about the Henri Matisse paintings and that’s what I like about Etamine. How about Hodsoll? F: We also will always work with historic documents, could be flowers but also geometric patterns. Great Britain is very proud of its arts and crafts movement in the 19th century. That’s why a lot of designs today date back to this time or refer to it. When we are talking about English florals, we often have the refined illustrations of William Morris, Owen Jones or Charles Rennie MacIntosh in mind. And that’s what also America relates with British design, even though there are plenty of important styles that came before and after, both of which are what I would like to explore for Hodsoll McKenzie.

Allison: I think it helps that we have each other in this way, that we are all three very different, from different countries with different approaches to how we do things, but are also completely supportive of one another. We are a nice trio, a team that cares for each other.

Fredericke: And though we are different, I feel that we share a vision and this makes us really strong together.

Mein Kommentar für die Ausgabe 11/19 des md Magazins.

Eine Bibliothek für Objektstoffe? Die wird es erstmals auf der Heimtextil 2020 geben. Ein Tool für Architekten, Innenarchitekten und Designer, das schon lange überfällig ist.

(…) Auf der einen Seite sind die Einsatzmöglichkeiten von Textilien nicht ohne weiteres vergleichbar mit denen anderer Werkstoffe, die man in der Innenarchitektur verarbeitet. Und obwohl sich das Angebot an Stein, Holz und Metall in letzter Zeit rasant erweitert, kann es noch lange nicht mit der Fülle an Materialkompositionen, Texturen, Dekoren, Farben und Funktionen mithalten, die im Stoff abgebildet werden können. Auf der anderen Seite legen Textilien auch bezüglich ihrer technischen Eigenschaften zu und ‧haben heute viele ihrer tradierten Schwächen überwunden, etwa Schmutzanfälligkeit oder Feuer‧gefährlichkeit. Damit wächst nicht nur das Angebot an Vorhangstoffen und Bezügen für den Objektbereich, sondern es wachsen auch deren Einsatzmöglichkeiten. Textilien empfehlen sich vielerorts als die bessere Alternative. So unterstützen Vorhänge in Krankenhäusern die Luftreinigung oder großflächige ‧Gewebe dienen als Dachbespannung.

Diese Vielfalt ist Fluch und Segen zugleich. Den Architekten, Innenarchitekten und Designern eröffnet sich ein reiches Gestaltungsspielfeld, gleichzeitig kommt ihnen jedoch das textile Angebot wie ein undurchdringlicher Dschungel vor. Immer mehr Stoffe drängen auf den Markt. Kollektionen wachsen und neue Anbieter, etwa aus dem erstarkenden asiatischen Raum, drängen nach Europa. Zudem sieht man der neuen Stoff‧generation ihre Funktionalität nicht mehr an. Outdoor sieht wie Indoor aus, Akustikstoffe sind transparent und Blackouts kommen wie natürliche Leinenqualitäten daher.

Textilverlage legen nach wie vor ihren kommerziellen Fokus auf den Einzelhandel, der sich vornehmlich für Dekor und Griff interessiert, so dass intelligente Funktionalitäten oft nur zaghaft kommuniziert werden. Das wirkt auf den anwendungsorientierten Architekten eher unglaubwürdig. Im Ergebnis bringen Verlage zwar technisch hoch spannende Textilien auf den Markt. Deren Features gehen aber gerne im umfangreichen dekorativen Angebot unter.

Dazu kommt: Designer sind im Kerngeschäft wenig mit Stoff befasst und verlieren sich auf der Suche nach dem Spezifischen gerne im Allgemeinen. Auch der ‧Architekt wird schnell der Muster überdrüssig und verharrt in seiner konservativen Haltung. Das heißt, er nutzt projektübergreifend die immer gleichen Stoffe oder er bevorzugt ‧Anbieter mit einem schmalen, auf sein Büro individuell zugeschnittenen ‧Produktportfolio. Im ungünstigsten Fall verzichtet er sogar ganz auf eine ‧innovative textile Lösung.

Dementsprechend bilden die zur Anwendung gekommenen Textilien nur sehr selten die Bandbreite ab, zu der ihre Hersteller heute technisch wie auch gestalterisch in der Lage sind. Das ist bedauerlich. Im Objektbau sowie jenen Privathäusern, die von professioneller Hand eingerichtet werden, liegt die Zukunft der Einrichtungstextilien. Der Einzelhandel verliert mehr und mehr an Umsatzkraft. (…)

Der gesamte Artikel ist hier zu lesen.

I was asked by Deco Home Magazine to reinterpret trims and tassels into typical German dishes.

Just a perfect opportunity to let off steam creatively.

Photos: Christian Hagemann

Co-Styling: Giulia Consiglio

Styling: FREDERICKE WINKLER & GIULIA CONSIGLIO

Fotos: RAPHAEL BRUGGEY | Patisserie: FRANZISKA OESER

https://www.decohome.de/

This is a production I realized with photo & styling duo Se7entyn9ne Berlin and which was partly published in Deco Home 04/19. It is always a pleasure working with those two gifted women.

Welchen Herausforderungen wird sich die Branche in Zukunft Ihrer Meinung nach stellen müssen?

Werner Aisslinger: In Zukunft wird die allgemeine Bedrohung durch den Klimawandel für einen Paradigmenwechsel sorgen. Der Anspruch der Haltbarkeit einerseits wird mit dem Wunsch nach natürlichen Materialien kollidieren. Wir leben in einer Zeit, in der die Ökobilanz immer wichtiger wird und ich glaube in Zukunft wird der CO2-Fußabdruck eines Materials mehr im Fokus stehen und weniger die Lebensdauer, wie sie über synthetische Komponenten erzeugt wird.

Wie lassen sich solche Visionen mit den funktionalen Ansprüchen an Textilien vereinbaren?

Werner Aisslinger: Heute erscheint das noch unvereinbar, aber ich bin mir sicher, dass hier ein Umdenken stattfinden wird und dass Materialkriterien wie die Klimaneutralität und Kreislauffähigkeit, auch im Sinne des Reyclings, Upcyclings oder der Kompostierbarkeit, wichtiger werden als beispielsweise die Scheuerbeständigkeit. Man wird kürzere Zyklen in der Soft-Renovation zugunsten des besseren CO2-Fußabdrucks in Kauf nehmen.

Und man wird diese Anforderungen zukünftig auch durch neue Materialentwicklungen auf nachhaltigere Weise bedienen können. Zumindest hoffen wir das sehr, denn wir sind keine Entwickler von neuen Stoffen. Wir sind User und Customizer und sind auf die Innovationsfähigkeit der Textilbranche angewiesen.

Das gesamte Interview ist nachzulesen unter: https://www.md-mag.com/news/meinung/werner-aisslinger/

Outtake of the Home Story of Andreas Zimmer’s Property in Kronberg for DECO Home Magazine.

It was so much fun to do the Styling here.

Photos: Sabrina Rothe | Text: Anita Guepping

Published in Deco Home 02/2019 (German version below)

And as soon as you think you have aesthetically absorbed the Bauhaus, you discover facets, personalities or documents that mix everything up again. This is the case with Walter Peterhans' photographic still lifes. The head of the photography department at the Bauhaus in Dessau since 1929 was known for his perfectionism, with which he arranged the objects of his motifs with tweezers with millimeter precision. And while this still sounds rather like Bauhaus, his motifs and those of his students tell a completely different story. They are wild, almost chaotic, playing with different materials and aggregate states. Some objects can only be seen in the reflection, others lie behind a glass filled with water and are optically distorted. Lace blankets meet trout, oranges meet mirrors, and the school building is recreated with the help of a cake. The goal was to experiment with seeing. And this is what we have made our task with the photo series. 

Und sobald man glaubt, das Bauhaus für sich ästhetisch durchdrungen zu haben, entdeckt man Facetten, Persönlichkeiten oder Dokumente, die alles wieder durcheinander bringen. Mit den fotografischen Stillleben Walter Peterhans’ verhält es sich so. Der Leiter der Fotografieabteilung am Bauhaus in Dessau seit 1929 war bekannt für seinen Perfektionismus, mit dem er die Objekte seiner Motive mit der Pinzette millimetergenau anordnete. Und während sich dies noch ziemlich nach Bauhaus anhört, erzählen seine Motive und die seiner Schüler etwas ganz anderes. Sie sind wild, fast chaotisch, spielen mit unterschiedlichen Materialien und Aggregatszutänden. Manche Objekte sieht man nur in der Spiegelung, andere liegen hinter einem Glas gefüllt mit Wasser und werden optisch verzerrt. Es treffen Spitzendecken auf Forellen, Apfelsinen auf Spiegel und das Schulhaus wird mithilfe einer Torte nachgestellt. Ziel war das Experiment mit dem Sehen. Und dies haben wir uns mit der Fotostrecke zur Aufgabe gemacht. 

Erschienen in DECO Home 2/2019

Wenn der Showroom von Frank Stüve eines nicht ist, dann zurückhaltend. Mit sinnlichem Genuss wird das mondäne Italien flankiert von asiatischen Möbeln, während die Muster geradewegs aus einem südamerikanischen Urwald entsprungen zu sein scheinen. Doch obwohl die Räume so spontan wirken, merkt man sofort, dass Stüve nichts dem Zufall überlässt. Verschiedene Deckenleuchten, Steh- und Tischlampen erfüllen ein harmonisches Lichtkonzept, selbst die Reflektion der subtil glänzenden Teppiche wurde bedacht. Eine Komposition aus Beistelltischen, Poufs und Lehnstühlen schafft viele vertikale Ebenen. Der Stil ist männlich und weiblich zugleich: weiche und harte Oberflächen wechseln sich ab, ebenso wie glänzende und matte. 

Stüves Königsdispziplin aber ist die Farbe und seine Räume sind eine Hommage an jede ihrer Nuancen. „Mein Vorbild ist die Natur, in der Farben scheinbar wild zusammentreffen und trotzdem eine feine Harmonie entsteht, einfach weil die Verhältnismäßigkeiten stimmen“, erklärt er. Und in der Tat sind die Räume trotz aller Buntheit nicht laut. „Wichtig ist, eine Farbe die Hauptrolle spielen zu lassen“, erklärt Stüve. Daher sei das Farbkonzept immer Ausgangspunkt: „Wir legen es schon im Grundriss an. Dadurch bekommt man gleich ein Gefühl für die Temperatur jedes Raums. Farben bringen Leben in einen Raum, durch sie entstehen wortwörtlich Lebensräume.“ (…)

Erschienen in md Magazin 11/18

“Ich habe sehr gut geschlafen.“ So lautet gewöhnlich die erste positive Rückmeldung eines Hotelgasts. ‧Eine knappe Zusammenfassung, in der viele Aspekte stecken, die eine gute Unterkunft ausmachen. Denn guter Schlaf versteht sich als die höchste Auszeichnung, als letzter ‧Beweis dafür, dass sich ein Gast rundum wohl und sicher fühlt. Schon Spätromantiker Friedrich Hebbel ‧bezeichnete den Schlaf als „ein ‧Hineinkriechen des Menschen in sich selbst“, die äußerste Form der Intimität.

Für die Hotellerie gehört der „Gute Schlaf“ traditionell zum Kerngeschäft. Neuerdings aber avanciert ihr Know-how rund um die Erholung zum Distinktionsmerkmal und wird als Ressource zur Kundenbindung entdeckt. Zwei Entwicklungen sind hierfür verantwortlich.

Erschienen in Deco Home 04/2018

Die Geschichte von Jonathan Adler liest sich wie ein Werk von Paul Auster. Ein Kind aus New Jersey mit einer erstaunlichen Leidenschaft für die Töpferei bemüht sich um den Erfolg auf konventionellem Weg, bis er 27-jährig frustriert alles hinschmeißt und sich schwört, nie wieder einen normalen Job zu machen. Also bietet er seine Töpferware dem Luxuskaufhaus Barneys an, die prompt eine Bestellung aufgeben und Adler dazu zwingen, sich zu professionalisieren. Eine Kollaboration mit der Non-Profit-Organisation Aid to Artisans vernetzt den jungen Designer mit Kunsthandwerkern in Peru und schickt ihn endgültig auf den Weg hin zu seiner ganz eigenen Wohnwelt – von der Tasse bis zum Sofa – die wie keine andere Eleganz mit Humor verbindet. Denn Adler ist sich sicher: provokativ ist besser, Minimalismus ist Mist und Farben beißen sich nie. Und überhaupt solle ein Zuhause in erster Linie glücklich machen. Heute betreibt der Töpfer, Designer und Autor 30 Shops und richtet luxuriöse Privatwohnsitze, Restaurants und Hotels ein. Im Interview erklärt Jonathan Adler, wie er es schafft, als Nonkonformist so virtuos die Klaviatur der Etikette zu spielen.

Mit der Sonderausgabe TW Russia richtet sich die TextilWirtschaft gezielt an den russischen Modemarkt. Im Rahmen der CPD in Düsseldorf und CPM in Moskau werden Kollektionen und Trends aus Deutschland in den Bereichen DOB, HAKA, Bodywear und Accessoires gezeigt und mit großer Bildsprache die Stärken deut- scher Labels für den russischen Markt beleuchtet. Die Sonderausgabe erscheint 2-sprachig (russisch/ deutsch) und richtet sich an russische Einkäufer und Projektentwickler.

Erschienen in Deco Home 03/2018

Photos & Set Design: Se7entyn9ne Berlin

Model: Klaudia Koj / McFit Models

Haare & Make-Up: Klara Stark

Auszug aus meinem Feature: Vorhang auf für den Iran - erschienen in Deco Home 03/2018

Während der Westen seinen Wesenskern im Weglassen sucht, ist die Spezialität des Ostens das Kombinieren. Farben, Formen und Stile finden mit einer gewissen Sorglosigkeit zueinander, die sich der westliche Designer in der Regel aus Angst zu Verkitschen nicht zugesteht. Von Innen betrachtet und auf die tatsächliche Wohnkultur im Land bezogen, erkennt man, dass der gestalterischen Opulenz durchaus eine Verknappung gegenübersteht, die ganz formale Gründe hat. 

„Die wiederkehrenden Elemente des Iranischen Einrichtungsstils gehen zurück auf die Materialien, die zur Verfügung stehen. Erdtöne dominieren durch den Lehm, aus dem die Häuser vorzugsweise gebaut werden. Auch wird viel Stein und Holz, der vorherrschende Werkstoff für Möbel, verwendet. Farbe kommt durch die typisch iranischen Deko-Objekte, Teppiche und Fliesen, in den Raum. Wie auch in der Architektur spielt hier die Symmetrie eine wichtige Rolle. Die meisten Muster gehen auf sehr einfache, archetypische Formen zurück, etwa auf den Kreis oder das Quadrat, aber auch auf klassische florale Themen. Die Farben sind dabei eine Interpretation der Natur, man greift das Blau des Himmels oder das Gelb der Sonne auf. Insgesamt ist der iranische Stil sehr simpel und gleichzeitig sehr detailliert“, erklärt Lena Späth im Gespräch ihren Eindruck.

Für das Feature “Hautnah” für die TW home #2 über die Lederverarbeitung habe ich den Karl Theodor Vogel Preis erhalten.

excerpt of my comment: Fairly fair isn’t fair enough published in Sportswear International #284

Clearly, fair trade accords with my ideas of solidarity and human dignity and my basic value that all people, independent of their origins, their gender or their beliefs are equal. But this shouldn’t be the reason why I buy fair trade products. I would go as far as to say that sympathy is a fatal purchase driver. Because the global economy, of which all of us, including fair trade, are a part, will allow humanitarian parameters only in so far as they do not get in the way of the main goal, which is to make a profit. And any sympathy will only be extended as far as it doesn’t encroach on one’s own living standards. Thus the producer stays dependent on a consumer whose wealth is built on the shoulders of his poverty. Only when the manufacturer can afford the same products as the consumers at the other end of the world, can we talk of genuine fairness. But we won’t be able to achieve this state of affairs as long as they remain in the role of the invisible poor and thus legitimise the privileged customers to remain in their role.

The fast growing number of critical consumers is interested in the circumstances under which their goods are produced. Fair trade shortens the link between consumers and producers, provides transparency and promises an ecological chain of production. But the mere feasibility for the consumer to be able to buy fair trade products, marks them out as privileged. So the decision to buy fair trade is a choice of the lesser evil; from a position of privilege to attempt to introduce a little justice. Economic behaviour thus evolves into social behaviour. However, it remains a trade in indulgences. It is about breaking down this moralistic trickle-down effect, whereby the Western consumer passes on a piece of his wealth, in the form of consumption. The aim must be that they prefer fair trade goods, because they are – in every respect – the better offer.

Auszug aus meinem Leitartikel: Size Matters

Während man traditionell trotz aller Provokation den kleinsten gemeinsamen Nenner in standardisierten Körperproportionen, symmetrischen Gesichtern und jugendlicher Ebenmäßigkeit suchte, sind es heute vor allem die individuellen Körper, das Exotische und Kuriose, dass die Modewelt in Atem hält. Die Begeisterung ist groß und Aktivisten allerorts begrüßen zu Recht die neue Bühne für Antidiskriminierung. Dabei macht die Mode nichts anderes, als was sie schon immer gemacht hat, wenn sie von ihrer Kanzel auf die Straßen jenseits der Modemetropolen schaut, den Crazy Shit des realen Lebens aufsaugt und diesen stilisiert als Trend zurück auf die Straße bringt. Interessant dabei ist, dass durch den Hype des Kuriosen, das Kuriose selbst zur Normalität wird. Umso bizarrer, dass es sich beim Diversity-Trend um handfeste demographische Entwicklungen handelt, die noch dazu Massenphänomene sind. Man macht also die geheim gehaltene Normalität zum Kuriosum und treibt sie dann in den Mainstream. Was für ein schwindelerregender Gedanke.

I contributed 20 pages about the most iconic fashion and design items from Italy to the Italian Issue of Sportswear International released in January 2018

for TextilWirtschaft home 2/17

Photos: Elizaveta Porodina

Model: Nella Roz

Hair & Make-Up: Stella von Senger

Licht: Josef Beyer

Assistenz: Caro Knitz 

Beitrag für das md Magazin (12/2017)

(...) „Vor Ihnen sitzt eine überzeugte Verfechterin des Inneren der Architektur,“ beginnt Ushi Tamborriello schmunzelnd das Gespräch und fasst, wie sich im Verlauf herausstellt, damit direkt die Besonderheit ihres Schaffens zusammen. Und das weit über den Umstand hinaus, dass sie Innenarchitektin ist und als solche ein breites Spektum an Innenräumen gestaltet, von Bäder- und Wellnessanlagen, Restaurants bis hin zu Ausstellungsarchitekturen. Der gestalterische rote Faden für die unterschiedlichen Wirkungsbereiche zeigt sich in der intensiven Beschäftigung mit dem Ort und seinen Funktionen im Zusammenspiel mit den menschlichen Bedürfnissen, die einem Projekt innewohnen.

„Im gemeinsamen Arbeiten am Projekt, stellt sich - in einer  Zeit des völligen Umbruchs in nahezu allen Lebensbereichen – sehr früh die Frage nach einer verbindlichen Identität. Die vielen Entscheidungen, die im Verlauf zu fällen sind, fallen leichter und fundierter, wenn man ihnen mit einer Haltung begegnen kann. Neben der Reflektion, kommen dabei der sinnlichen Wahrnehmung und dem Erinnern tragende Rollen zu.“ Dies erreiche man mit dem Einsatz von Textilien besonders gut. „Im Zusammenhang mit der Differenzierung des Raumes ist gerade die textile Hülle eines der ältesten Kulturgüter, das wir kennen. Sie ist uns seit Jahrhunderten vertraut, bot uns Schutz vor klimatischen Einflüssen und vor unerwünschten Blicken. Und war schon in frühen Kulturen Trägerin erzählerischer Inhalte – man denke nur an die grossen Wandteppiche des Mittelalters, auf denen Geschehnisse der Menschheitsgeschichte in „Bildwirkereien“ festgehalten wurden.“

„Für mich ist Textil nicht einfach ein Material. Schon der Wortstamm ,texo’, das Weben, deutet auf die Verbindung von Qualitäten. Textile Materialien sind sowohl ästhetisch als auch funktional so vielfältig, dass sie kaum mit anderen Werkstoffen zu vergleichen sind“, erklärt die Designerin weiter. Und diese Vielfalt nehme mit der technologischen Entwicklung momentan rasant zu. Stoffe können heute schon leuchten, messen, senden, wärmen und sogar reinigend auf den Raum wirken.

Die Gründe, aus denen in den vergangenen Jahren in der Architektur oft auf textile Komponenten verzichtet wurde – etwa Nachteile in der Hygiene, Pflegeintensität oder eine fehlende Strapazierfähigkeit – seien folglich heute nicht mehr zutreffend.

„Über die viele Jahre vorherrschende Angst vor dem dekorativen Moment des Textilen im architektonischen Diskurs kann man heute nur lächeln“, stellt die Innenarchitektin fest. Neben dem technologischen Fortschritt seien es gerade die nahezu unbegrenzten Ausdrucksformen, die das Textil gestalterisch so wertvoll machen. So oder so müsse man den Gebrauch von Textilien neu lernen, so die Expertin. (...)

Photos: Jochen Splett

for TextilWirtschaft home 2/2017

Photos & Styling: Se7entyn9ne Berlin

for TextilWirtschaft home 2/2017

Photos & Styling: Se7entyn9ne Berlin

For TextilWirtschaft home 2/2017/ Photos: Nic Oswald

(...)

How do you achieve the price while focusing so much on the product?

It is difficult to have a balance of quality, functionality and price. This is one reason why we survive, because it is difficult and we achieve it.

So what is the secret recipe then?

There is no secret recipe, but the difference between MUJI and other brands is our way of approaching product development. Normally, to add value to a product regular companies will add design and then keep on adding. At MUJI, we have a completely different method. We are trying to reduce or exclude unnecessary parts in order to simplify things. This difference in approach brings about a completely different product result. We are also constantly trying to improve our supply chain management.

Do you think by cutting out what is not necessary, the result is a sophisticated design which requires a certain kind of intellect to be understood?

Indeed. And this is a challenge for us as well. Maybe in Japan it is easier. The Bauhaus movement also tried to simplify things to make them functional. Traditionally in Japan, prior to the Bauhaus movement, we were seeking beauty in simplicity. It’s in our DNA to have this kind of attitude, and if people have grown up in this kind of environment they understand.

New and somehow challenging for the consumer, MUJI is also so affordable. Now we are in an era where price doesn’t determine luxury anymore. In another interview you said, that MUJI is the antithesis of today’s consumer habits. What do you mean?

There are two common natures in human beings. One is desire, and the second is that people are always concerned about what others think of them. Looking back to earlier societies there was no consumer society as there were no ratios. And everybody had the same hair colour and the same eye colour. People did not need to think about what other people thought of them because they were similar, apart from in terms of social milieu. Today in Vietnam for example new international brands, like H&M and Zara, are entering the market, and so what is happening is that new cultures are also entering the market. The people are quite shocked with a lot of information spread via magazines. People are using whitening skincare products to become fairer and using coloured contact lenses to have blue eyes. They’re dyeing their hair blond. They are trying to be fashionable and compare themselves to others. This is what has already happened in Japan in and under these circumstances people lost the idea of self. The power of trend is too strong. With this in mind, MUJI is the antithesis of consumer society in the way that we ask people to be themselves, to not lose their self-awareness, nor follow every trend. You have to find out the real value of things.

How does MUJI achieve this?

Under these circumstances there are still some people who are very conscious of what real values are. When the MUJI concept was born, it was developed by some important designers who targeted the people who know about those values. We don’t name the designer and we don’t name the brand on the products. It is just the product itself that counts.

This is also typical Bauhaus.

Yes, they have been very innovative. They strived to do away with ornamentation. That is why MUJI respects Bauhaus. They will celebrate 100 years shortly. Congratulations.

You say that you are not branding your product, but MUJI is a desirable brand.

Maybe we can’t say that anymore, that we are not a brand. You’re right. We often hear from different countries that MUJI is the new luxury because it is not branded. So the non-brand became a brand in itself, I guess.

Für TextilWirtschaft home 2/17 – Bild: Libeco Home

Eine Gesellschaft setzt sich bei heruntergelassenen Hosen auf Toiletten zu Tisch und unterhält sich über das Weltgeschehen, das mit am Tisch sitzende Kind wird zurechtgewiesen, als es Hunger bekundet – über solche Themen spreche man nicht – und ein Herr zieht sich diskret in eine Kabine zurück, in der er hinter verschlossener Tür ein Mittagessen einnimmt. In seinem Film „Das Gespenst der Freiheit“ von 1974 kehrt Luis Buñuel die Gepflogenheiten der Bougeoisie um und lässt groteske Szenen entstehen. Und hinterfragt, ob nicht allgemein anerkannte Konventionen gleichermaßen merkwürdig sein mögen. Wenn es oben reinkommt, ist es gesellig. Und wenn es unten rauskommt, sollte man lieber einen einsamen Ort aufsuchen?

Mit dem gedeckten Tisch hat sich der spanisch-mexikanische Filmemacher und Surrealist ein Motiv ausgesucht, an dem man in der Tat die gesamte Kulturgeschichte der Menschheit in ihrer Ambivalenz ablesen kann. Die Frage nach der Rolle der Tischwäsche damals und heute ist dabei vielleicht nicht ganz so umstritten. Allerdings war und ist auch sie dem sozialen Wandel unterworfen.

Schon in der ausgehenden Antike legte man Tücher auf kleine Tische, auf denen die Speisen gereicht wurden, während man im Liegen aß. Dazu standen Servietten und Fingerschalen mit Wasser zur Verfügung. Im Spätmittelalter saßen die Menschen auf Bänken und aßen von Tafeln, an denen Tücher angebracht waren, um sich Mund und Hände abzuwischen. Ab dem 13. Jahrhundert wurden die Tischplatten mit einem glatten Tuch bedeckt. Ein zweites legte man über die Kanten und ließ es bis zum Boden fallen. Die Gäste nutzten das umlaufende Tuch nach wie vor zum Reinigen von Händen und Mund und legten es über den Schoß, um ihre Kleidung zu schützen, quasi als überdimensionale, kollektive Serviette. Und die war dringend notwendig, denn Esswerkzeuge gab es seinerzeit nur spärlich, Messer steckten direkt im Mahl, man aß mit den Händen, später mit Löffeln, die man selbst - am Gürtel befestigt - mitbrachte. Erst ab dem 16. Jahrhundert setzte sich langsam die Gabel durch.

In der Renaissance sind immer noch Adel und Klerus die Epizentren der Zivilisation, von denen auch die Tischkultur ausgeht. Nicht umsonst dient das gemeinsame Mahl in den Weltreligionen als starkes Symbol: das Abendmahl Jesu’ als Zeichen seiner bleibenden Gegenwart oder „Sahūr“, die letzte Mahlzeit vor der islamischen Fastenzeit. Am Tisch finden das Religiöse und das Profane zueinander in Form von Gebeten, Ritualen und geselligem Beisammensein.

Die Tischdecke wird dank der virtuosen Damastweber jener Zeit zum textilen Zeugnis, indem sie das Stillleben-Motiv des gedeckten Tischs in den Stoff wirkten oder aufdruckten. Aus jener Zeit bleiben uns Blumenrapporte auf Tischdecken als Klassiker erhalten. Mit Aufkommen des Bürgertums im 18. Jahrhundert werden die Tischsitten Mittel zur sozialen Abgrenzung und verkomplizieren sich bis ins Unendliche. Eine wachsende Zahl an Besteck, nach komplexen Legesystemen angeordnet, setzt eine immer explizitere Reihenfolge von Abläufen voraus: Schneiden, zum Mund führen, nicht reden, Besteck exakt ablegen, Mund abtupfen, Serviette zurück auf den Schoß, schluckweise trinken, Nahrungsaufnahme wieder aufnehmen und so weiter und so fort. Diesen Regeln folgen wir in der westlichen Welt mehr oder minder bis heute und sie brachten selbst noch 1990 in dem Film „Pretty Woman“ die Prostituierte Vivian zum Verzweifeln, die als Begleitung des Brokers Edward Louis ein Geschäftsessen überstehen muss. Es gelingt ihr nicht, die Salatgabel auszumachen, und zu allem Überfluss springt ihr eine „Escargot“, eine Schnecke, aus der Zange geradewegs in die Hände eines Kellners. Das Versagen bei Tisch weist Vivian als unterprivilegiert aus, als „nicht dieser sozialen Schicht angehörig“. Dabei ist es nicht nur ihre fehlende Bildung, die zum Tragen kommt, sondern auch die fehlende Selbstkontrolle. Denn im Gegenteil zu anderen Distinktionsmitteln der Oberschicht, die womöglich vor allem Weltläufigkeit und Reichtum darstellen sollen, spielt beim guten Benehmen am Tisch die Disziplin eine tragende Rolle. Man wartet, beobachtet und übt sich im Zurückhalten unerwünschter Flatulenz.

Tischmanieren als Trennlinie zwischen der Noblesse der Oberschicht und der Barbarei des Proletariats. Und zwischen Lust und Anstand. Mit dem Ziel, den sinnlichen Akt des Essens in einen disziplinarischen Rahmen zu setzen. Dahinter steckt auch der protestantische Wunsch, den Geist über den Körper siegen zu lassen. Schließlich sind  die historischen, religiösen und künstlerischen Analogien zwischen Essen und Erotik seit langem bekannt, sei es der Apfel der Erkenntnis, der Spargel als Phallus-Symbol oder Isoldes Zaubertrank. Lüsterne Frauen sind im Englischen „man-eater“ und lassen sich zu Deutsch „vernaschen“. Und einige Filmszenen, die als besonders erotisch in die Annalen der Kinogeschichte eingehen, handeln vom zügellosen Essen. In dem bis heute legendären Film „Das große Fressen“ von Marco Ferrreri aus dem Jahr 1973 wird durchgehend und gleichzeitig gegessen und kopuliert, während die Serviette nonchalant als Lätzchen im Hemd steckt. In „9 ½ Wochen“ aus dem Jahr 1986 von Adrian Lyne wird nicht nur auf Tischwäsche sondern gleich auf den ganzen Tisch verzichtet. Vor dem geöffneten Kühlschrank füttert John (Mickey Rourke) die junge Elizabeth (Kim Basinger) mit kaum zubereiteten Lebensmitteln direkt aus der Verpackung. Es wird verschüttet und ausgespuckt. Sie trinkt Milch direkt aus dem Krug, und die Hälfte läuft ihr am Mund vorbei. Es ist eine große Schweinerei, in jeglichem Sinn, denn die Völlerei endet im Geschlechtsakt. Dennoch: Kim Basinger trägt in der Szene einen blütenweißen Bademantel, der in diesem erotischen Bankett die Tischdecke ersetzt und ohne Reue beschmutzt wird. Das Textil ist also, wie in so vielen Lebenslagen, die Trennlinie zwischen Lust und Anstand. Die Tischdecke erfordert Disziplin beim Essen, um sie eben nicht zu verschmutzen. Die Serviette schützt vor dem Beflecken des Schoßes, vor diesem Hintergrund ein besonders delikates Bild.(...)

Sie möchten weiterlesen? Schreiben Sie mir...

Beitrag in der November-Ausgabe des md Magazins 

Die Mode macht vor, dass Nachhaltigkeit heute nicht mehr nur ein Trend, sondern ein handfester Wettbewerbsvorteil ist. Wann zieht die Branche der Einrichtungstextilien nach? Oder ist sie etwa schon dabei und versäumt nur, darüber zu reden?

Handle stets so, dass kommende Generationen unter denselben oder besseren Bedingungen leben können wie wir heute. So lautet die einfachste und zugleich anspruchsvollste Defintion von Nachhaltigkeit. Wendet man sie auf die Industrie an, ergeben sich ökologische, soziale und gestalterische Richtlinien. Dabei wird der Begriff der Nachhaltigkeit gerne zuerst mit dem Ressourcenverbrauch in Verbindung gebracht. In Gedanken an kommende Generationen sollte man auf nachwachsende Rohstoffe setzen und davon nur so viel verbrauchen, wie in der Tat auch nachwachsen kann. Zudem sollten Wasser, Luft und Erde innerhalb der Produktionsprozesse geschont werden. Es leitet sich weiter eine unternehmerische Gesinnung in Form von Zuverlässigkeit, Transparenz und Verantwortungsbewusstsein gegenüber direkten oder indirekten Partnern ab. Wichtige Marker sind dabei die Preise, die Lieferbedingungen, die Risikoverteilung und die Planungssicherheit. Es gilt die Regel: Nicht die Machbarkeit sondern die Vertretbarkeit zählt, ungeachtet dessen, ob man mit dem Gestalter in Europa, dem Produzenten in Asien oder mit dem Kurier in der Region verhandelt. Zu Guterletzt ergeben sich Kriterien für das Produkt. Stets muss man sich fragen, ob Waren nicht effizienter hergestellt werden können, ob es auf Materialebene Neuerungen gibt und ob der Gebrauch noch dem Zeitgeist des Verbrauchers entspricht. Gleichzeitig ist man der Kulturgeschichte seiner Produkte verpflichtet. Denn es sind die Hersteller, die darüber entscheiden, ob althergebrachte Handwerkstechniken überleben – auch dies kann eine Form von Innovation sein. (...)

Für TextilWirtschaft home 2/17

In jeglicher Hinsicht ist Indien als aufstrebendes Entwicklungsland dem Wachstumswunder China auf den Fersen – schon seit Jahren. Was das Wachstum des Bruttoinlandsprodukts angeht, hat Indien mit 7,1% seinen Konkurrenten mit 6,7% schon im vergangenen Jahr überholt. Und fragt man Experten zu den Entwicklungs-Prognosen Indiens, heißt es immer wieder, der schlafende Riese sei gerade im Begriff aufzuwachen. Man solle nur an diese Millionen von Menschen denken, die sich derzeit aus der Armut in die neu entstehende Mittelschicht emporarbeiten.

Indien ist im Aufbruch, aber lange nicht so schnell, wie China es vorgemacht hat. Das sei auch ein unfairer Vergleich, heißt es dann postwendend. Immerhin habe Indien seine Entwicklung erst gut 15 Jahre später, 1991, begonnen und müsse als „größte Demokratie der Welt“ längere Entscheidungswege hinnehmen als sie im absolutistischen China üblich seien. Ohne hochwertige Rohstoffvorkommen und eine im Vergleich zur Größe der Volkswirtschaft bedeutende verarbeitende Industrie sind das Kapital Indiens seine gut 1,24 Milliarden Einwohner, im Durchschnitt 28 Jahre alt. Und jährlich kommen um die zwölf Millionen hinzu.

Anhand der Zahlen erkennt man die Diskrepanz zwischen den Potenzialen, die ohne Zweifel in dieser Volkswirtschaft schlummern, und der aktuellen Situation im Land. In den wachsenden Städten entsteht eine konsumfreudige Mittelschicht, die sowohl einheimischen als auch internationalen Unternehmen neue Profite verspricht. Die überwiegende Mehrheit der indischen Bevölkerung aber lebt in ländlichen Gebieten und ist dadurch wirtschaftlich benachteiligt. Mit 29 Bundesstaaten, 23 Amtssprachen und fünf Hauptreligionen ist das Land ohnehin sehr inhomogen. Die Hälfte der Bevölkerung arbeitet als Kleinbauern, die Landwirtschaft macht aber nicht einmal 20% der Gesamtwirtschaft aus. Neun von zehn Arbeitern sind im informellen Sektor beschäftigt und weder gegen Krankheit oder Arbeitsunfälle abgesichert noch haben sie Anspruch auf soziale Leistungen oder Altersversorgung. Sie zahlen auch keine Steuern. Gerade mal 5% aller dem Arbeitsmarkt zur Verfügung stehenden Menschen haben nach Regierungsangaben eine berufliche Qualifikation.

Andererseits leben in diesem Land die meisten Millionäre und Milliardäre weltweit. Spätestens seit einer Studie des Internationalen Währungsfonds aus dem Jahr 2015 aber wissen wir, dass der wachsende Reichtum der Topverdiener das Wirtschaftswachstum verlangsamt, während sich höhere Löhne unter den Geringverdienern positiv auf die gesamte Gesellschaft auswirken.

Die Armutsbekämpfung sowie die Bildungs- und Infrastruktur-Entwicklung sind große Aufgaben, die die hindu-nationalistische Regierung Indiens bewerkstelligen muss, um den Potenzialen des Landes gerecht zu werden. Vor allem beschäftigungsintensive Branchen stehen dabei im Fokus, um schnell viele Arbeitsplätze zu schaffen. Die Textilindustrie wird als Hoffnungsträger betrachtet. So steht Indien in der globalen Produktion von Baumwolle, Seide und Jute weltweit an zweiter Stelle. Auch in Bezug auf die Anzahl der Spinnereibetriebe ist das Land auf Platz zwei. Jeweils nach – wie sollte es anders sein – China. Immerhin: Bei der Zahl der Webereien haben sie den großen Konkurrenten schon überholt. (...)

Sie möchten weiterlesen? Schreiben Sie mir

My contribution to the German Issue of Sportswear International

It is somehow inconceivable, that we are still talking about the difference between West Germany. Come on! The reunification of the Federal Republic will soon be celebrating its 30th anniversary. The biggest current consumers of jeans, sportswear and casualwear cannot even actively remember that their home country was once divided; it is more or less just a chapter in their history textbooks. At best, it’s a story their parents tell at the dinner table, in which some talk about how hard they had it back in the day, while others reminisce about the good old days when they had everything they needed. Admittedly, although Germany was only divided for 41 years, less than two generations, in 1990 the state had to bring together two very contrary realities – on the one side, a prosperous, advanced West, and on the other, an economically run-down and culturally disrupted East, a scenario that even the best science fiction author could not have imagined. Twenty-eight years and more than two trillion euros of rebuilding investment later, the former GDR has obviously caught up with its supposed bigger brother in terms of infrastructure and appearance. More than that: made anew it even surpasses good old Germany with its new technologies and brightly lit streets. But sprucing up the former East doesn’t necessarily make it a successful market. It’s the culture, consisting of tradition and entrenched structures, that has to grow and its absence creates an invisible but perceptible border, which is especially apparent when looking at the minutiae of society – at retail businesses for consumer goods, for instance. (...)

For TextilWirtschaft home 2/17

Mr Petri, what exactly is your role in the company?

My role has changed recently, about two months ago. I am now more focused on the long-term development of our print design ideas and deal less with the operational procedures and their deadlines. I supervise our new designers and their designs. Together with them we want to tackle long-term stylistic developments and also create a few new challenges for us. I am also responsible for our archives, which I am just reorganising to give us greater insight of what is still of value. For example, I’m looking for patterns that we haven’t used in a while but that are still really good from a modern-day perspective. Meanwhile, our young designers are bringing in new influences. I bring these two spheres together and make sure that the result bears a recognisable, yet fresh Marimekko DNA. 

So you work closely with lots of designers. What’s that like?

Oh, yes, in my 30-year career at the company I’ve met and worked with many designers and searched for solutions on how to print their ideas on fabric. I get the impression that a lot of people believe that design means you are given a picture by a designer and then you just print it out on fabric. But that’s not how good designs come about. The design process begins with the designer having an idea, which we then discuss as a team to think about what we can do with it. Often, the designer has to develop many variations of their idea, until they come up with something that works well as a print, as well as being functional, and satisfying the formal requirements of our customers and lives up to their aesthetic standards.

How do you achieve that?

It involves a lot of teamwork and a constructive approach. Often, one of the first things designers ask me is which formal restrictions to consider when designing. My answer is: “Wait, surely you don’t want to start by thinking about restrictions? I’d rather you tell me what you want to do, and then we can figure out a way to do it.” But it’s important for them to learn about all the possibilities in our print workshop, to be inspired. And then the close collaboration between designer and printer begins. You can look at designs from any period in this company and you’ll always see a very strong connection between printing and design.

We are standing in front of the silk-screen printing lines where designs can be produced in up to 12 colours. On average, however, a print usually has around five colours. “The design doesn’t get better just because you use more colours,” Petri notes. Considering his height, Petri talks surprisingly quietly, in a restrained manner, meaning that his pithy answers sometimes take a while to register. Petri has the typical self-assuredness of an experienced expert, who has somehow already seen everything but is still always prepared for a surprise. He started his career modestly as a simple printer for Marimekko in 1986. In 1989 he was already helping to ensure that the designs dreamt up by the designers were fit for purpose. Since then, Petri has witnessed many developments in print technology, including the advent of computer-aided design in the 90s, at a time when silk-screen printing was automated and digital printing was launched.

Do the designers also have to lend a hand once in a while? 

Absolutely. In the truest sense of the word, because our starting point is hand printing. You need to work very accurately to be able to create a repeat pattern. As soon as designers have internalised this technique, they can integrate it into their design process and develop designs that are easier to print.

So from then on, their starting point for the design is the technology?

Their starting point is always their idea, wherever that comes from. But what makes it typically Marimekko in the end are, no doubt, the colours and the printing techniques. For example, we are especially well known for our overlapping print visuals.

So the common thread of the Marimekko style is very clear. What has changed since 1954?

Back then our prints were considered shocking. Well, yes, a lot of things were shocking back in the 60s, like rock music for example! Nevertheless, at the time these things had never been seen before: broad stripes, loud colours on fabric, a sea of flowers. It was revolutionary at the time. It’s hard to imagine today, now that pretty much everything under the sun has been done. We’re no longer revolutionary these days.

But you can still be inspired by the wild times?

Yes, indeed. The old designs are a very important inspiration for us, as well as our colour archive, where we have collected 3000 colour tones. We can’t even produce a lot of them anymore because the chemicals needed have – thankfully – since been banned. But we still keep them and try to get an approximation of the colours if required. But our customers tend to prefer classic colour choices. Depending on the season, they prefer the colours they see around them in nature. Within these palettes, however, there is a wide selection. Obviously, we are best known for our use of colour. At the moment, the 70s colour palette is very popular with orange and brown tones.

Petri leads us into what he calls the “candy store”, the colour archive. Drawers full of fabric swatches sorted by tone, next to a desk covered with paper. Do colour systems like Pantone play a role for Marimekko? A tiny grin follows the answer that they use them very rarely in the contract business, because they represent only a fraction of the Marimekko colours. Ten years ago, the dyeing process was changed from powder to liquid colour and from hand mixing to machine mixing. We then pass by various machines for steaming, drying and washing, the latter was purchased just a year ago for a million euros. Many other machines are no older than ten years. “If we're doing well, we invest,” Petri explains succinctly. Last stop is the showroom, where we sit down to look at pattern books from the 60s. Most of the patterns are marked with an “N”, meaning they haven’t been produced. “We can’t afford that kind of luxury these days,” says Petri.

Has the design process changed too?

The times are changing, that much is clear. What is positive now is that people work on a much more equal footing. Marimekko designers always had a special standing; they’ve always been very well respected, and they still are to this day. But nevertheless, there is much more teamwork now. An important change for the designers, no doubt, is that back then they could come up with hundreds of designs a year and nowadays, as a freelancer, perhaps only one or two. Today, we need to think much more economically in that respect. But with such minimal output, designers can’t gain as much experience as they used to. So these days they need to rely more on experts and their experience. They also have to understand that they need to practice even when they aren’t working on a commission. They need to draw every day and not just when this one job comes in. It doesn’t work that way. Experience also shows that some ideas need time to grow over a period of time, sometimes years. You need to work on these ideas continually on your own initiative, so they are ready when you need them.(...)

You want to read the full article? Contact me

Talking with Patagonia’s VP, Social & Environmental Responsibility, Cara Chacon  joined by Clay Brown, VP of Certification, Standards & Impact, Fair Trade USA, and social entrepreneur Safia Minney about the challenges and chances of Fair Trade.

Why did Patagonia start with Fair Trade? How does the factory certification of Fair-trade USA work? What is the real economic and political outcome of the Fair Trade movement? 

It was an inspiring evening, a fantastic audience, a fruitful outcome and a great experience to be moderating this talk.

Editorial Production for TextilWirtschaft home 01/2017

Photos: Elizaveta Porodina  / Styling: Stella von Senger / Model: Lotte Zuidema

For TextilWirtschaft home / Photos: Nic Oswald

(extract) Mr Engman, there is unlikely to have been a European childhood in which one or the other item of IKEA furniture did not somehow figure...

I’m sure you’re right. Especially in Germany. And I see that as a major responsibility. Also in terms of the two billion customers that now shop at our stores every year, and whose lives we would like to change for the better with our products.

Why do these people shop at IKEA?

There are no doubt very many reasons for this. Important for us is that we always start with our customer’s needs, by which I mean both their emotional and functional needs. We have our finger on the pulse of those needs. I consider it little short of astounding to have to emphasize this fact because I would consider that to be the job of every company. And yet, looking around, I see that it really is an exception. I am not speaking of target group analyses but of very palpable connections. Ever since the creation of IKEA, we have been very interested in finding out what is on the hearts and minds of our customers, what they are doing, how they live, and what sort of problems they are facing. To help us understand them, we even visit them at their homes.

You work together a lot with top-flight designers. Have you ever reached a point at which you felt your design was too sophisticated for your customers?

Nothing could be farther removed from my mind. That would be a bit like saying what we think is good - or too good! - for our customers. On the contrary, in fact: I believe that, as a rule, we underestimate people. A key factor for us is variety. If you try to only make things that sell well, you err too much on the safe side and tend to do everything in plain vanilla. But that “one-size-fits-all” approach won’t appeal to anyone. Big brands like IKEA have to offer variety, otherwise we fail to take account of the diversity of our customers. It is presumptuous to believe that all people function in the same way. Take the stereotyped perception of New York, for example. You immediately have an image in your mind. And yet it consists of so many different boroughs and neighbourhoods which, when taken together, make up New York City. That’s just the way IKEA works. We cannot afford to concentrate on the things our customers have in common. We need to focus on their differences.

So IKEA isn’t where you go to pick something up but a place to discover yourself?

Absolutely. We do not, in any case, consider ourselves as a company that develops and sells products but as one that creates worlds you feel at home in. It is with this aim in mind that we assemble a range of products. That is a totally different approach. We sell solutions. We have our room sets and a huge amount of knowledge about how to design and furnish rooms. That means we can reach lots of people without needing an excessively large assortment. The context in which it is put can, after all, alter a product’s expression.

What, to you, is a good product?

First of all, I have to point out that we are only very rarely satisfied with anything. We often think, “Well, that’s good but we could make it so much better.“ That is part of our corporate identity and design philosophy. When developing our products, we employ the so-called “democratic design” principle. In any discussion of design quality and good products, it is often decisive where you yourself start from. Am I an engineer? A designer? Am I in charge of the business side of things? Or am I an marketing manager? If all four of these people get together, they will engage in a lively discussion on what good - or bad, come to that - actually means. Democratic design is a common form of expression we have developed. A common understanding of what constitutes a good product. Our core criteria are form, function, quality, sustainability, and price, plus availability. Our goal is to ensure we are all on the same page, all talking about the same five things, culled from the views of everyone but fused to create a perspective. This helps us achieve a result which means so much more than simply: “That looks good.“

One could almost imagine there to be a link here to the ideas of the Bauhaus back in the 1920s. Design is done not by any one individual but by the community.

That may well be. Yet how I see it is more related to the underlying idea of the Bauhaus as being that of making design mass-producible, the intention having been to improve the quality of products. Many people forget that mass production is actually a way of manufacturing good quality. Today, most seem to believe that the best way to create quality is through DIY, and that mass production is automatically inferior. If that were the case, I ask myself why we are not all rushing out to hand-build our cars. (...)

Während der ISPO 2016 trafen sich Frauen aus verschiedenen Branchen beim ISPO Women Networking Breakfast von Frauen Verbinden einer Initiative der Messe München. Nach dem Frühstück wurden Impulsvorträge, Rundgänge und ein Get together in der ISPO Women’s Lounge angeboten. Ich hielt einen der beiden Keynotes zum Thema Nachhaltigkeit. Teilnehmerin und Bloggerin Svenja Walter hat die den Vortrag in ihrem Blogeintrag folgendermaßen beschrieben:

Wie Fredericke Winkler, Designtheoretikerin und Redakteurin bei Textilwirtschaft im nächsten Vortrag treffend formuliert: „Dass wir die Sportindustrie immer als von Männern dominiert wahrnehmen, liegt an unserer Perspektive. Tatsächlich sind 80% der Textilarbeiterinnen Frauen.“ Nun weiß ich nicht, wie es euch geht – aber ich habe nicht nur nachhaltig produzierte Kleidungsstücke in meinem Schrank. Und fühle mich deshalb manchmal wie ein unverantwortlicher Loser. Aber Fredericke nimmt mir die Angst vor der Nachhaltigkeit. Nimmt das große Thema und hilft mir, es für mich persönlich runterzubrechen „Nachhaltigkeit ist kein Ziel, sondern ein Weg“, sagt sie. „Und da kann man immer Pausen machen und verschnaufen. Das Teilergebnis zählt. Der Teilsieg zählt.“

Auf der Online-Plattform der ISPO wird folgendes Statement veröffentlicht.

Fredericke Winkler, Textil-Redakteurin mit großer Expertise im Bereich der nachhaltigen Produktion, hielt den zweiten Vortrag: „Wir in Deutschland kaufen jedes Jahr im Durchschnitt 14 Kilogramm Kleidung, neun schmeißen wir weg.“ Mit Zahlen wie diesen machte sie auf ein weiteres Fokusthema der ISPO MUNICH 2017 aufmerksam „Nachhaltigkeit zwingt uns zum Umdenken“, sagte Winkler. Nachhaltigkeit sei kein kurzfristiger Trend, sondern denke ständig über Zukunft nach. „Nachhaltigkeit ist Avantgarde“, so ihr eindringliches Statement.

for TextilWirtschaft home / Photo: Jonathan P. Levy

(extract) Mr Etro, how important to you personally are textiles?

They mean a great deal to me, having been my principal occupation since I was knee-high. At a very early age, I was already travelling the world with my parents and able to explore many places, among them India and Mexico. Back then, people in many of these countries still wore traditional costumes, which appeared very exotic to me. As an eight-year-old boy, I was especially fascinated by the colours and patterns. This first exposure to textiles at an early age had a lasting influence on me. Later, before going to university, I was waiting to be called up for military service and decided to work in my parents’ firm to pass the time until then. In those days, Etro was a classic textiles trading company. My job was in the samples room, cutting swatches to size for customers und assigning them numbers. I had, in other words, to handle a whole lot of different fabrics and cut them into squares. It was while doing this work that I developed a sense of the quality of materials, since you are, after all, constantly feeling them between your fingers. That was a good place of learning for me, though it really did spoil me, our company, even back then, having sold only the vey best fabrics. In a word, therefore, it was my eyes that were the first to encounter textiles, and then my hands: two completely different approaches, each with its own special attractions.

Is that how your wish to work with textiles came about?

Indeed it was. I began to visit weaving mills to learn more about the manufacturing process. I wanted to understand fibres. Then I went to the fabric printers. The more I saw, the more I wanted to know. I wanted to understand the entire process of fabric production. I was thrilled to see how a fabric is created on a loom, and how the pattern is gradually transferred to the fabric from the design. The printing process, with those huge machines, is something I found rather less appealing. It is noisy, heavy, dirty, and was still pretty primitive back then in the 1980s. Fabrics were basically printed using methods harking back to the 19th century. Later came inkjet and then digital print. Suddenly, the future was there, giving us more ways in which to achieve faster results with less environmental impact and reduced labour input. For all this, however, I felt we were losing something.

What exactly do you mean?

I realize that the textile industry has to move on, to keep on developing, But I personally am always searching for a traditional, artisanal approach. That’s why I travel to places where I expect to discover this – not to North America or Canada, in other words, but to the Far East or Africa. But it is getting to be ever more difficult to find traditional textiles. Increasingly, for example, local costumes are being discarded in favour of western attire. (...)

Illustration: Frauke Berg

(Textauszug) Es wäre geradezu albern zu fragen, ob Afrika unseren globalen Musikgeschmack beeinflusst hat. Wohl kaum ein musikalisches Genre, das frei von afrikanischen Einflüssen ist. Rock´n´Roll, Blues, Jazz, Reggae, Dub, HipHop, letztlich der gesamte Pop – was bliebe schon übrig, versuchten wir, die schwarzen Bestandteile unserer Musikkultur auszuklammern? Leider erscheint es auf den ersten Blick fast ebenso albern wissen zu wollen, inwieweit Afrika die globale Modekultur prägt. Man erhielte womöglich die unsichere Gegenfrage, inwiefern Naomi Campbell noch als afrikanisch gelten mag, oder ob man bei Altkleidern von Mode sprechen kann. 

Eigentlich erstaunlich, wie wenig wir Mode mit Afrika verbinden. Nicht nur angesichts eines Yves Saint Laurent, aufgewachsen in Algerien, und eines Alber Elbaz, der aus Marokko stammt. Oder, weil Top-Models wie Alek Wek und Waris Dirie in der Subsahara großgeworden sind. Immerhin liegt auf dem Schwarzen Kontinent oftmals der Ursprung unserer Kleidung – und zugleich ihre letzte Bestimmung: Neben den USA und Zentralasien gehört Afrika zu den großen Lieferanten von Baumwolle und empfängt im Gegenzug jährlich über 400.000 Tonnen abgelegte Kleider, vornehmlich aus den Spendencontainern an unseren Straßenecken. Unser Desinteresse mag daher rühren, dass dem rohstoffreichen und dennoch ärmsten Kontinent der Welt zwei Glieder der textilen Wertschöpfungskette zufallen, die wir allenfalls mit ‚Bekleidung‘, nicht aber mit ‚Mode‘ in Zusammenhang bringen. Unsexy zudem: das schlechte Gewissen in Anbetracht der Opferrolle Afrikas zugunsten unseres westlichen Luxus. Denn Tatsache ist, dass die afrikanischen Länder aus ihrer Einbindung in die globale Bekleidungsindustrie zu keiner Zeit wirklich Profit schlagen und dennoch massiv von ihr abhängig sind. (...)

für TextilWirtschaft home / Photos: Nic Oswald

Für JNC News / Photos: Nikolaus Gruenwald

(Auszug) 

Herr Axt. Das Jahr neigt sich dem Ende zu. Wie ist ihre Bilanz?

Die gefühlte Bilanz ist sehr gut. Aber mit dem Bewußtsein, dass nichts mehr so ist, wie es mal war. Unsere Branche hat sich in den letzten zwei Jahren dramatisch verändert und dieser Prozess ist noch lange nicht abgeschlossen. Trotzdem haben wir für Mustang in 2015 viel erledigen können. Wir haben das Jahr intensiv genutzt, um uns den neuen Gegebenheiten anzupassen. Deswegen sind wir ganz guter Dinge und starten positiv ins neue Jahr. Aber immer mit dem Wissen, dass sich die Rahmenbedingungen auch in Zukunft verschieben werden.

Welche Rahmenbedingungen waren für Sie denn die größte Herausforderung?

Für uns entscheidend ist, dass sich die Handelssituation sehr stark verändert hat. Die Vielfalt der Verkaufskanäle sind eine Herausforderung und jeder Kanal für sich muss speziell betrachtet werden. Auch hat sich der allgemeine Konsumstil verändert. Dadurch sind Themen wie das Entertainment stark in den Vordergund gerückt. Zusammenfassend geht es hauptsächlich um folgende Fragen: Wo erreiche ich meinen Endverbaucher? Wie hole ich ihn da ab? Und wie binde ich ihn langfristig an meine Marke?

Wie sind Sie diesen Fragen begegnet?

Wir haben den Konsumenten ganz stark in den Fokus genommen. Um ihn zu erreichen, arbeiten wir sehr eng mit dem Fachhandel zusammen. Dabei ist unser oberstes Ziel den Kunden am POS besser abzuholen und ihm das Gefühl zu vermitteln, dass er bei uns das absolut perfekte Produkt im absolut perfekten Preis-Leistungs-Verhältnis findet. Und das in einem Umfeld, in dem er sich wohlfühlt. Um das zu erreichen, hat sich die Arbeit mit dem Handel regelrecht zu einer Tageszusammenarbeit ausgeprägt. Wir geben nicht einfach unsere Produkte rein und warten ab, sondern wir unterstützen den Händler durch Warensteuerung und -tausch, Inszenierung der Ware und Personalisierung der Fläche. Ein wichtiger Faktor ist dabei auch, das Verkaufsteam auf unsere Produkte einzustimmen. Bei uns geht heute im deutschsprachigen Raum kein Neukunde an den Start, ohne dass auf der Fläche eine Schulung statt gefunden hat. Wenn wir den Verkäufer von unserer Marke samt Inhalten und den Produkten überzeugen können, haben wir am POS gewonnen.

Das hört sich nach einem extrem hohen Aufwand an.

Es ist ein extrem hoher Aufwand. Aber man muss heute viel, viel mehr tun, um den gleichen Effekt wie vor zehn Jahren zu erreichen. Das ist so. Die Gegebenheiten haben sich verändert und wir haben unsere Struktur durch ein Multi-Channel-Konzept angepasst. Wir haben dafür an anderer Stelle bestimmte Dinge weg gelassen. Wir glauben, dass das Produkt und der Endverbraucher die Schlüssel zum Erfolg sind. Da ist höherer Aufwand gefragt. (...)

Für J'N'C Magazine / Illustration: Frauke Berg

(Auszug) Wenn wir eines mit unserem Aufzug nicht erreichen wollen, dann, dass andere über uns lachen. Mode darf alles sein; provokativ, skandalös, skurril, fremd, ja selbst unzumutbar. Nur witzig darf sie nicht sein. Fröhliche Kleider sind ja so provinziell. Wird ein Outfit als lustig bezeichnet, ist dies eine nette Umschreibung für ‚nicht gekonnt‘. Wenn Mode zum Schmunzeln anregt, hat sie ihre besten Zeiten längst hinter sich. Dabei – so sagen Psychologen und Mediziner – lässt uns der Humor nicht nur zufriedener und smarter, sondern auch schöner durch die Welt gehen. Warum also nimmt sich die Mode so furchtbar ernst? Oder verstehen wir ihre Späße nur nicht?

Neulich übernahm ich das ehrenvolle Amt, als Teil einer Jury Arbeiten von Modestudierenden zu bewerten. Manche waren gut, andere weniger. Besonders in Erinnerung geblieben ist mir jedoch eine Kollektion, die an gedankenloser Hässlichkeit kaum zu überbieten war. Ohnehin schon minderwertige Stoffe wurden mit der Nähmaschine zu textilen Gebilden zusammengefügt, die mir weder tragbar noch sinnhaft erschienen. Und während ich mich darum bemühte, meine Gesichtszüge unter Kontrolle zu bringen, lauschte ich der tiefernsten Schwurbelei über den geistigen Überbau der Arbeit, von dem der Student äußerst eloquent zu erzählen wusste. Diese Situation war mit Abstand die komischste, die ich seit Langem erlebt habe. Und zwar, weil das Gesagte und das Gesehene so weit auseinandergingen.

„Humor ist das umgekehrt Erhabene. Er erniedrigt das Große, um ihm das Kleine, und erhöht das Kleine, um ihm das Große an die Seite zu setzen“, so das Plädoyer des Schriftstellers Jean Paul, die Dinge mit mehr Heiterkeit anzugehen. Erscheint uns ein Übel zu groß, setzen wir neue Maßstäbe à la ‚es könnte noch schlimmer sein‘, und schon relativiert sich nahezu alles. Auch wenn die besagte Präsentation ein klassisches Beispiel für ungewollte Komik ist: Die im besten Wortsinn absurde Idee, die offensichtlich dilettantische Kollektion auf eine Stufe mit echter Qualitätsarbeit zu stellen, hat mich dennoch fasziniert. Warum? Weil sie die Erhabenheit der Mode grundsätzlich zur Disposition stellt.

Mich erinnerte die Situation an einen Sketch von Hape Kerkeling für seine Sendung ‚Total Normal‘. Darin verkörperte Kerkeling einen polnischen Opernsänger, der ein experimentelles Musikstück vortrug, welches mit einem lauten „Hurz“ endete. Die besondere Würze dieser gelungenen Parodie auf die (pseudo-)intellektuelle Kunstszene: Das Publikum lauschte der Darbietung mit wohlwollender Anerkennung. Hätte mein Studierender seine Präsentation mit einem lauten „Hurz“ beendet, wäre die Arbeit sicher mit der Bestnote bewertet worden. Allerdings nicht als Modekollektion, sondern als künstlerisches Werk, dessen Verdienst darin bestanden hätte, die allzu übertriebene Ernsthaftigkeit der Branche zu persiflieren. Denn Mode muss vorrangig den Körper schmücken und darf ihn – aus welchem Grund auch immer – nicht verunglimpfen. (...)

Photos: Noshe

Model: Yosuke Kaneshiro

Report on European Linen for TextilWirtschaft home 01/16 / Photo: Jonathan Levy

(extract) We arrive at the little town of Meulebeke near Gent. It is home to Libeco, a living tribute and testimony to the tradition and quality of European linens. Founded almost 160 years ago, the company shares its history with many old-established textiles firms that started out as merchants and, following the onset of industrialization, invested in more modern forms of production. While, however, the majority of them sought to return to trading once confronted by the pressures of cheaper competition from the Far East back in the 1970s, Libeco resolved to scale the hurdles of progress and to stick to its core business – linen weaving.

The looms in Meulebeke have, in fact, never produced anything else. The heavy machines stand side by side in a huge hall, weaving firmer linen on the left and fine linen on the right, with a total annual output of 5 million square metres. Every item produced is subsequently checked and, where necessary, mended by hand, a process that would appear to take almost as long as the weaving itself. Tweezers and a needle are used to either draw out protruding yarn slubs or to reinsert them into the fabric. Finishing is done by a partner company in the region, after which – following a final quality inspection by Libeco – it is dispatched to customers or placed in the stockroom as NOS merchandise waiting to be shipped to its chosen destination.

With many an elegant turn of phrase, Raymond Libeert (photo) talks us through the history of the brand, which is at the same time that of his family. It is a rollercoaster ride, in the course of which one never, however, stops believing it will end safely. He speaks of the revolution brought about by the first mechanical looms and of the difficult times after the second world war. He praises the courage displayed by his father when, during the worst-ever slump in sales, which occurred in the 1960s, he summoned up all of his financial reserves to modernize the plant, with the help of which Libeco was able to launch a new generation of products that gave it a foothold in the USA. He stresses how hard it was to stick to linen when, in the 1970s, this material was unable to keep up with synthetic fabrics while, at the same time, the opening of eastern Europe, was flooding markets with cheaper products. Back then, Libeco responded by extending its product portfolio. In response to what was the most recent crisis, the company in 1997 merged with weaving mill Lagae, based in the same town, which specialized in fine linen, thus catering to the needs of a new segment. This further diversification, yet also the cost savings on the production side, such as that deriving from shared warehousing, consolidated the business.

The story of Libeco is an illustrated textbook history of the best examples of anticyclical business policy, according to which one saves when times are good in order to invest during more sluggish periods. A method that makes perfect sense – a cyclist starts pedalling again once the bike loses momentum – and yet is employed far too rarely. This might well be because it takes courage to consider one’s own path to be the right one, when confirmation from outside fails to materialize in the first instance. Today, Libeco has annual sales of €40m – sufficient confirmation, one might surmise. Raymond Libeert, for his part, displays a healthy indifference vis-à-vis market movements. “It is said that seven years of plenty are generally followed by seven lean years. That’s just the way of the world, and our job is to find the best possible means of dealing with this pattern of the way things tend to go.” (...)

Textildesign spielt in der Gestaltung von Produkten, Mode, Räumen und Fahrzeugen eine hintergründige aber entscheidende Rolle. Es schließt Entwicklungen von Materialien aus Kiefernnadeln ebenso ein wie industriellen Druck mit Naturfarben und interaktive Vorhänge. Auch der stoffliche Ausdruck von kulturellen Themen wie Ritual, Mitgift oder Codes sind Themen des Textildesigns. Diese Allgegenwärtigkeit des Textilen in unterschiedlichen Gestaltungsbereichen und die Impulse, die von textilen Materialentwicklungen ausgehen, stehen im Fokus des Katalogs zur Ausstellung „Textildesign – Vom Experiment zur Serie“. Die lange Tradition des Textildesigns an der BURG, die ganz im Zeichen des Entwurfs für die Serie steht, ist der Ausgangspunkt, um im Jubiläumsjahr der BURG einen aktuellen Blick auf das Textildesign von heute und morgen zu werfen.

Experimentelle Abschluss- und Studienarbeiten stehen im Katalog neben textilen Produkten aus der Industrie und anderen Tätigkeitsbereichen des Textildesigns, die die Anwendung in der Serie präsentieren.
Der zweisprachige Katalog (deutsch/englisch) beleuchtet anhand der übergreifenden Themen Tradition, Kulturtransfer, Farbe, Material, Technologie, Smart Textiles und Nachhaltigkeit die Faszination, Vielfalt und Komplexität textiler Werkstoffe. Dabei wird die interdisziplinäre Ausrichtung des Fachs Textildesigns deutlich: bei der Entwicklung von Stoffen wird stets deren Anwendbarkeit durch andere Disziplinen mitgedacht.

Mit Textbeiträgen von Alexandra Braun/Filippe Natalio, Katharina Jebsen, Andrea Kluge, Bettina Göttke-Krogmann, Sophie Richter, Christiane Sauer, Katrin Schumacher/Ingo Uhlig, Steffen Sammler und Fredericke Winkler.

„Textildesign. Vom Experiment zur Serie“
Eine Kooperation mit dem Bauhaus-Archiv / Museum für Gestaltung Berlin

ISBN 978-3-86019-120-0

Photos: Nic Oswald

(extract) Mr Butcher, how would you describe the way you work at Mark Alexander?

Due to my history in interior design, I consider the connection to architecture to be very important. Rather than developing fashion themes, we develop all fabrics with an eye to their subsequent application. If, for instance, we want to use silk, we think of a kind of art deco-defined Park Avenue setting and the classic furniture of the 1930s. If we use African influences, we would not call that “Safari” but talk of Picasso and the modernists of the early 1920s and the way they were influenced by tribal art. To get that across, we do not simply create fabrics but our own styling, setting the products in the context we think fit. We insist on an intellectual red thread running through all of the designs and photo shoots. That is a very elaborate process, which is why we only launch new product once a year, though we do make up for that by bringing out seven to eight collections.

And how is the actual design process?

Textile design always has two origins, the printing and the weaving process. We use both of these points of departure, always commencing with the background of our designers. We sometimes begin with very simple handicraft work and look at the weaves, the yarns, and the textures. We paint, draw, or make our own printing materials out of wood. Then we take that to the producer and develop the ideas jointly from there

How would you describe the style that comes out of all this?

Reduction is our goal. Rather than decorating, we seek to whittle down the ornamental. One might term it a Japanese aesthetic. But the linearity of art deco or the clear-cut Danish design of the 1950s are our points of reference, leading to understatement on the one hand and a certain eclecticism on the other. I am used to blending cultures and epochs, there being a strong craft element in all of this. That is our luxury formula. Plus the fact that we can afford to always remain within this framework, introducing just a few new nuances each year.

And how did this style come about?

I am passionate about art history and worked alongside interior designers in the USA for many years. I advised designers when selecting antique furniture to match a specific type of architecture. If, for example, they wanted to furnish a house in an English country house style, they were advised not to choose furniture that was all from the same era. As a rule, it is the case that such a style is created by a collection of furniture that a family acquires over the course of time and then passes on in the form of heirlooms. Historically, therefore, the style consists of several layers. My job was to determine which furniture from the eighteenth century could easily be set alongside stuff from the nineteenth. For around 10 to 15 years, by the way, this mix has been moving ever more forward into the twentieth century. Today, we are talking Bauhaus, the Wiener Werkstätte, and Danish modernism. It is this awareness that remains the starting point for all my work. We put a whole lot of time into research.

TextilWirtschaft Home ist das internationale Fachmagazin für Heim- und Haustextilien. Als eigenständiger Titel aus dem Hause TextilWirtschaft der dfv Mediengruppe mit seiner umfangreichen Expertise, bewegt sich das Magazin immer an der Schnittstelle zwischen Heimtextil, Mode, Interior, Architektur und Hospitality. Zwischen den Polen traditioneller Handwerksverfahren und neuen Technologien sucht TextilWirtschaft home nach Themen, die in die Zukunft blicken. Sie bildet die Marktangebote ab und segmentiert sie in trendsetzende Berichterstattungen. TextilWirtschaft home geht in die Tiefe. Interviews mit Marktpionieren weisen dabei ebenso den Weg wie Reportagen über Produktionsverfahren und Industriestandorte. Wir gehen vor Ort und fragen nach – und das international. Mit zwei Editorial Shootings im Magazin bewegen wir uns immer an der Schnittstelle zwischen Interior und Fashion. Zu unseren Lesern gehören Vertreter der Industrie ebenso wie Händler und Raumausstatter, Architekten und Designer. 

Projektleitung & Redaktion seit 07.2016

J'N'C News bietet seit 20 Jahren in kondensierter Form ein Maximum an Reportagen und Hintergrundinformationen über das Jeanswear und Contemporary Fashion Segment. J'N'C News erscheint 2x jährlich und berichtet über Brands, Personalien, den POS, das Messegeschehen, Verkaufs-und Marketingtrends.

Mitarbeit als Freie Redakteurin von 05.2009 - 06.2016

Stell. Chefredaktion J'N'C News von 10.2014 - 06.2016

Photos: Nathan Ishar

(Auszug) Woher kommt denn diese Schieflage am POS?

Ein Geschäft ist an bis zu 65 Stunden in der Woche geöffnet, wobei um die 55 Stunden nichts passiert. Der Umsatz wird abends, freitags und samstags gemacht. Das Personal muss allerdings immer vorgehalten werden. Der Händler trifft dann die scheinbar logische Entscheidung lieber mit ungeschulten und günstigeren Aushilfen zu arbeiten. Frequenz ist meiner Ansicht nach das allergrößte Problem im stationären Handel. Diese fehlende Frequenz und die damit verbundene fehlende Beratungskompetenz versucht man dann über den Preis wieder aufzufangen. Ich will nicht unterschlagen, dass wir gerade in schwierigen Zeiten stecken: massive Preiserhöhungen auf der Materialseite was die Produktpreise natürlich erhöht und auf der anderen Seite der Handel, der vielerorts ums Überleben kämpft. Und es gibt in Deutschland sicherlich eine große Zahl an Menschen, die nach Preis kaufen. Aber sind das die, nach denen wir unser Angebot ausrichten sollten? Ich mach’s nicht, denn das würde sich unweigerlich auf die Qualität und die Reklamationsrate auswirken. Andere versuchen die Marktbewegungen zu verstehen und mitzuhalten, etwa indem sie auch One-Fits-All-Matratzen anbieten. So auch einige Verbände. Da sage ich: „Leute, daß ist doch entgegen euer eigenes Geschäftsmodell. Ihr stellt euer eigenes Angebot infrage.“

Aber diese Situation ist doch automatisch auch ihr Problem.

Nein.

Wieso nicht?

Ich bediene selektiv den Discount, den Fachhandel, den Matratzendiscount und Online-Anbieter, etwa als einer der größten Lieferanten bei Amazon. Parallel habe ich dafür gesorgt, dass ich eine sichere Produktionstiefe erlange. Das schützt mich vor vielen Marktbewegungen. Außerdem bewahre ich in unruhigen Zeiten die Ruhe und arbeite stetig an neuen Konzepten.

Nennen sie mir ein Beispiel.

Unsere Shop-in-Shop-Systeme, in denen wir dem Thema Schlaf mit einem integrativen Sortiment sowie geschultem Personal begegnen, in unseren Brinkhaus-Shops etwa. Durch diese vielen Kanäle, habe ich mir so viele Standbeine geschaffen, das mich kaum etwas umhauen kann. Mein Vorteil ist bis heute, dass ich nicht von einem Kunden abhängig bin. Daher erlaube ich mir manchmal, Geschäfte abzulehnen. Aber in der Summe glaube ich, biete ich Konzepte an, die im Handel super ankommen. Ich entwickle Konzepte für den Discount, One-Fits-All und Markenkonzepte. Wenn ich gegen den Wettbewerb gewinnen möchte, muss ich Lösungen anbieten und meinen Ausschnitt auf dem Markt erweitern. Damit lässt sich Größe aufbauen und somit ein optimales Preis-Leistungsverhältnis. Am Ende des Tages benötige ich für all diese Angebote immer die gleichen Maschinen, ob es sich um eine Matratze für sechzig Euro oder um eine für sechshundert Euro handelt. Es ist immer die gleiche Einziehmaschine, die gleiche Schaumschneidemaschine, die gleiche Steppmaschine, die gleiche Nähmaschine und es sind die gleichen Menschen, die an den Maschinen arbeiten.

Aber was legitimiert dann den Preisunterschied?

Das macht der Materialeinsatz. Und natürlich die Kosten, die durch die Marke entstehen: Messe, Promotion, Service, Werbung. Wenn wir aber nur vom Produkt sprechen, behaupte ich, dass die Markenprodukte von meiner Arbeit für Discounter profitieren. Mir wird ja gerne nachgesagt, ich könne nur Discount. Ich sage, weil ich Discount kann, kann ich auch alles andere. Um hunderttausend Mal dieselbe Qualität zu liefern, muss man seinen Laden richtig im Griff haben und eine undurchlässige Qualitätssicherung gewährleisten. Wenn du das kannst, kannst du locker auch andere Qualitätsstufen anbieten. Rein in Bezug auf die Fertigungsprozesse. Auch das macht uns sehr stark.

Wo bleibt dabei die Nachhaltigkeit?

Durch die Größe unserer Prozesse können wir viel in dieser Richtung umsetzen. Wir haben letztes Jahr beispielsweise eine Daunenfederfabrik in Polen gebaut, die in der Endausbaustufe abwasserfrei sein wird und mit einem minimalen Co² Fußabdruck arbeitet . Und wir richten unsere Qualitätsstandards immer mehr auf ökologische Aspekte aus, nicht nur aus Überzeugung, sondern auch, weil das unsere Kunden verlangen, wie etwa der Verzicht auf die nach der Detox Kampagne von Greenpeace festgelegten toxischen Chemikalien in der Nassausrüstung. Unsere Marke Brinkhaus ist beim Downpass ein Treiber. Ab kommendem Herbst wird der Einsatz von zertifizierten Daunen Pflicht sein. Durch diese neue Dokumentationspflicht wird es nicht mehr möglich sein, Rohstoffe von unbekannter Herkunft unterzumischen. Gleichzeitig werden durch die grassierende Geflügelpest in Europa die Preise für Rohmaterial deutlich steigen. Und dann müssen Hersteller mit ihren Händlern in die Verhandlung gehen, auf dass die eine Preiserhöhung schlucken. Gerade kleine Hersteller können sich dabei nicht ausreichend behaupten. Das ist sicher auch ein Vorteil meiner Größe, dass meine Verhandlungsposition besser ist und ich mehr Durchsetzungskraft habe. Ich muss dabei nur fair bleiben. Ich kann durchaus transparent darlegen, wie sich unsere Preise zusammensetzen, auch im Sinne der Nachhaltigkeit.

Für J'N'C News

Fotos: Peter Lorenz

(Auszug) Was genau ist denn Ihre Aufgabe als Creative Director?

camel active arbeitet ja mit vielen Lizenznehmern, die für uns Jacken, Hosen, Schuhe und andere Produkte machen. Ich bin dafür zuständig, dass daraus eine Kollektion mit einer Message wird. Das betreue ich in der Produktentwicklung, aber auch im Marketing und im Vertrieb. Ich habe also die ganze Marke im Blick. Man muss sagen, dass es diesen Job, wie ich ihn gerade mache, in dieser Komplexität vorher nicht gab. Ich habe den Retail und das Marketing komplett dazu bekommen. Aber ich habe gute Heads, die ihr Daily Business kennen, sodass ich eher als neuer Impulsgeber fungiere. Ich bin ein alter Vertriebler, und diesen Blick kann ich nicht abstellen. Was auch gut ist. Darauf hat man sicher auch spekuliert, dass mit mir jemand kommt, der Vertriebserfahrung hat.

Die Lizenznehmer hinzugezählt: Wie viele Teams betreuen Sie?

Ich habe sechs Teams bei den Lizenznehmern, von Schuhen und Socken über Unterwäsche bis hin zu den Outdoorjacken. Und dann noch die Agenturen: PR, Marketing und Visual Merchandising. Ich schätze, alle zusammengerechnet, habe ich um die vierzehn Teams, die mir zuarbeiten und mit denen ich Feedbackstrukturen aufbauen muss.

Hier auf einen Nenner zu kommen, ist sicher eine besondere Herausforderung, denn es treffen ja verschiedene Kulturen aufeinander.

Nun, am Ende des Tages habe ich es mit Spezialisten zu tun. Die wissen worüber sie reden. Ich bin nicht dafür da, um ihnen ihr Produkt zu erklären. Ich bin da, um mit ihnen über die Marke zu diskutieren. Ich bin der Sparringspartner, der andere Aspekte hineinbringt. Ich arbeite mit einem Design-Team eine grobe Richtlinie aus, wo wir mit der Gesamtkollektion hinwollen, und diese muss ich dann an die Lizenznehmer herantragen und diskutieren. Dabei geht es nicht nur um Designaspekte, sondern auch um die Perspektive aus dem Vertrieb und dem Marketing. Ich muss also von oben auf den Gesamtprozess schauen, die Quintessenz ziehen und diese bis auf die Verkaufsfläche durchziehen.

Mussten Sie lange überlegen, als das Angebot von camel active kam?

Ich bin eigentlich kein Karriereplaner, aber ein paar Marken hat man ja auf dem Schirm, für die man gerne mal arbeiten würde. camel active war für mich immer schon weit vorn. Für mich persönlich ausschlaggebend ist ein gutes, liebevoll hergestelltes Produkt. Eines, das noch regelrecht entwickelt wird. Nur dann schlägt mein Textiler-Herz. Und bei camel active ist das so. Die Marke hat so eine starke Basis und scheut sich trotzdem nicht, sich immer wieder neu zu denken. Das Produkt wird nach bestem Wissen und marktgerecht weiterentwickelt. Und zwar mit Liebe zur Ware, zu den Materialien und zum Detail. Aber immer sehr nah an der Marke und beim Kunden bleibend. Es ist wunderbar, wenn man richtige Fans trifft, die erzählen, dass sie sich vor fünfzehn Jahren ein Paar Schuhe von camel active gekauft haben, die sie immer noch mögen und tragen. Oder wenn eine Jacke einen Menschen durch das Leben begleitet. Auch weil dies genau das Gefühl ist, welches wir mit camel active vermitteln möchten. 

Photos: Sorin Morar

(extract) I can imagine that everyone has their own very special relationship to Disney and individual characters. Does that personal level play a role when looking for the right franchise, or are you able to break free of that?

It is always interesting to see how that does indeed play a role. Frequently, we start off with a joint brainstorming session, after which ideas begin to spring forth from the partner’s side – as is often the case with “Star Wars.” When The Force Awakens came out, many men in particular revealed themselves to be longtime fans. It really is amazing to see just how many diehard “Star Wars” aficionados come creeping out of the woodwork. Even the most buttoned-up of grown men go weak at the knees, confessing that they have seen all the movies and beginning to quote lines from them.

Many people do, in other words, have a very clear idea of what the Disney brand ought to be doing. Is the “Disney” legacy sometimes also a liability?

Not really. Many tend to be positively surprised to hear how far we are able to go in terms of creativity with our partners, and just how many things can be done. While we do have very clear ideas governing our licensing agreements, we are nonetheless able to give our partners a lot of freedom in the actual design process. And one should not, of course, forget the archive, which dates back to 1928. That serves toopen up many roads. In recent years in particular, things have been developing very nicely inasmuch as the most diverse of designers have been accessing the archive to create their “Disney Consumer Products,” at the same time constantly updating it with the results they themselves produce. We, for our part, put out a style guide listing the latest additions every eight weeks. And we are strong. With revenues of $7.6bn, 2016 was the most successful year to date in our history. That was also due to the acquisition of Lucasfilm and Marvel, which enables us to fill movie theatres all year round. That makes us a long-term and reliable partner – not always successful, of course, but offering planning certainty. That is also evident in the merchandising, which offers both variety and planning certainty in terms of sales revenues.

So just how far can partners go when interpreting your characters?

Well, it depends which partner we are talking about and what kind of result we are looking for. Someone such as Damien Hirst is obviously given greater freedoms than a partner wishing to turn out commercial products. In the case of particularly exciting collaborations, we are sometimes more lenient in this respect, too, but then it tends to be more about a different signature style. One advantage is that the approvals here in Germany are generally made in close coordination with our European headquarters in the UK. These locally based structures enable us to work quickly and flexibly.

When you compare product groups, what is the strongest market?

Toys are obviously the strongest segment by far, yet they are closely followed by Fashion & Home. So we are hard on the heels of our colleagues in the toys segment. And, within our own division, it is apparel that takes the lion’s share. Next come accessories and home, which are fairly evenly balanced.

And what has the edge in the home segment What is the top performer there?

Bedding!

So why is it that bedding performs so well in the area of licensing deals?

Bed linen is, along with cups and mugs, the T-shirt of interiors. It can quickly be changed and, with it, a room – children’s bedrooms, for example – given a rapid and complete makeover. Additionally, bed linen is a great area in which to try out new motifs and to tell stories, there being a lot of space on which to do so.

In terms of target groups, children are the biggest market, right?

The grown-up world used to be pretty small but, in recent years, we have been giving clear emphasis to the adult segment, which naturally also includes the collaboration with Zoeppritz. But, yes, you are right: boys, girls and infants are our biggest market. Having said that, “Adults” now accounts for a double-digit share of this and the figure continues to increase.

Fotos: Sorin Morar

Für TextilWirtschaft home

Die Jeans und das ihm zugrunde liegenden Material Denim nimmt in der Mode eine besondere Rolle ein. Mit ihrer 150 jährige Historie bildet sie heute einen Grundpfeiler fast jeder Kollektion, nicht nur aus Gründen des Images sondern auch der Kommerzialität. Somit gehört sie zu den wenigen Modeprodukten, für die es sich lohnt in seine Entwicklung zu investieren, also seine Silhouette und Passform zu optimieren, das Material in Bezug auf seine Anmutung zu variieren und vor allem aber auch technologisch weiter zu entwickeln.

Trotz aller Kontinuität lassen sich an Denim viele aktuelle und in die Zukunft weisende Themen der Mode ablesen, sei es Recycling, ökologische Optimierung, der Ausbau des Tragekomforts und das Aufleben alter Handwerkstechniken – designtheoretisch ein Spagat, der nicht leicht zu bewältigen ist, denn die Jeans muss somit zum einen Tradition und zum anderen Fortschritt abbilden. Ihre hochkomplexe Technologie, bestehend aus außergewöhnlich vielen Arbeitsschritten (vom Rohstoff über die Garnherstellung hin zu vielfältigen Färbe- und Waschverfahren bis zur Fertigung), muss in einem Objekt münden, welches unbekümmerte Lässigkeit vermittelt. Um dies zu bewerkstelligen, ringen Hersteller um Fachkräfte und um Möglichkeiten, Kunden auf sinnvolle Weise mit Informationen zu versorgen, auf dass diese sie ihren Endverbrauchern vermitteln. 

So habe ich im Frühjahr 2017 mit einer Delegation von 14 Studierenden der Kunsthochschule Burg Giebichenstein in Halle aus den Fachgebieten Textildesign, Modedesign, Kunstpädagogik und Designwissenschaften Herstellungsbetriebe in Italien besucht: Webereien, einen Knopf- und einen Etikettenhersteller, eine Wäscherei sowie eine Jeansmarke. Ziel war, die Komplexität der Jeansherstellung zu erfahren und sich über Diskussionen, Texte, Übungen etc den verschiedenen Blickwinkeln anzunähern und neue Konzepte in Bezug auf Produkt und Kommunikation zu entwickeln.

bell ist Text, Konzept und Wühlkiste in einem! Eine interdisziplinäre Ausstellung, die beschreibt, wie sich bei einem Entwurf Form, Farbe, Stil, Umfang, Duft, Klang und Haptik ergeben und die in ihrer simplen Erscheinungsweise unseren Sammeltrieb und spielerische kindliche Neugier wieder in uns aufleben lässt.

bell erscheint am 15.05.2008 in limitierter Auflage in einer kuratierten Box; die Kunst soll von anderen kommen und wird in den entsprechenden Rahmen gesetzt. Jede Ausgabe behandelt eine andere übergreifende Thematik, die nun erscheinende 2. Ausgabe trägt den Titel “blue 7” frei nach dem wissenschaftlich erwiesenen Phänomen, dass die Mehrzahl aller Menschen als Lieblingsfarbe “blau” und als Lieblingszahl “7” angibt und befasst sich somit mit Massenphänomenen und kalkulierbarer Schönheit. Ist es erstrebenswert Design oder Kunst zu erschaffen, die eine große Zahl von Menschen begeistert? Sollte Kunst bedienen oder provozieren?
Bei der Interpretation lässt bell den Künstlern, Designern, Architekten und Theoretikern freie Hand gelassen, sich unvoreingenommen und mit unverkrampftem Ernst den Hoffnungen und Ikonen der Moderne zu nähern, das Thema nach ihren persönlichen Schwerpunkten auszuarbeiten und in Interviews im beiliegenden Magazin zu ihrer Arbeit Stellung zu beziehen.

bell sind Kunstgegenstände beigelegt, beispielsweise eine Spieluhr von FS Blumm (Morr Music), der auf diesem Wege im Glücksfall einen poetischen Moment, Schönheit, findet. Schmuck aus purpurfarbenem Gummi von Ursula Bonderer erzählt von der medialen Spur des Blutes und ist dem Motiv “Judith köpft Holofernes” nachempfunden – komplementär zu dem Poster des Street Artisten Nomad, der seine Arbeit grundsätzlich nicht beschreibt und hofft, daß “der Käse gefällt.” Einen ganz anderen Ansatz verfolgt die Designerin Andrea Pößnicker (P van B) mit ihrer Aussage: „Eine der wichtigsten Grundlagen für Massenbildung ist Geld“. Deswegen versorgt sie den Leser mit druckfrischer Währung.

Auch die Theoretiker kommen in dieser Ausgabe auf ihren Plan! Vom Grundprinzip der Intuition als universellem Leitsystembis zur schönen verflixten Sieben schildern Charly Frech (Meta Design), Jörg Schäfer (Philosoph) und Inga Wellmann (Einstein Forum) aus ganz individuellem Blickwinkel oder als objektive Analyse ihr Verhältnis zum bekannten Phänomen.

bell bietet einen intimen Blick auf ein bekanntes Massenphänomen, eine greifbare Auseinandersetzung mit gängigen Vorstellungen – und nicht zuletzt gibt bell dem Leser die Möglichkeit, sich frei und ohne Vorurteil bzw. kindlich einem Thema zu nähern. 

Als Herausgeberin war ich verantwortlich für die Konzeption und die Inhalte.

Beyond Fashion Summit was a two-day conference, business talks and workshop program. The Summit provided a platform for genuine, sustainable innovation. Beyond dogmas, beyond business as usual and beyond fashion weeks. Alongside the keynote speeches and conference talks, a choice of interactive workshops was on offer – as well as business lounges and speed networking.

The Beyond Fashion Summit 2012 concluded it’s two days conference programme. On the 15th and 16th of November 2012, more than 150 professionals from the fashion and textile industry came together to discuss and reflect the topic of „Hypernature“. Speakers and participants explored solutions in the textile chain through new processes and digital technologies. Among the professional visitors were many high profile representatives from industry, commerce, science and politics, who explored innovative concepts and new ways in a common dialogue.  Eleven international lecturers and a discussion panel envisioned philosophical concepts and future business models, showed best practices and possibilities for new, ethical and innovative product generations.

A central point of discussion was the question, by which values future fashion will be lead. Philosopher Warwick Fox gave a contextual framework and called the public to think multidimensional: „Think holistic!“, said Fox. Only then can one be ethically and morally uncontentious.

Hendrik-Jan Grievink of the think tank Next Nature dared to define a provocative definition of the Summit title. His conclusion: in the future, we will be confronted by a „more raffinated, more secure, aesthetically optimized, enlarged, highly patented, better version of our environment.“

The founder of People Tree, Safia Minney, reported about the success story of her fashion brand, a story that goes back over more then ten years. Started on a small scale in Japan, People Tree is now present in over 600 points of sale all over the world, without loosing it’s core values of fair trade, organic and handcraft.

At the end of the first conference day, Mark Starmanns, (Netzwerk Fair Mode), Safia Minney (People Tree), Norbert Henzel (University of Oldenburg), Caroline Ducker (Etsy) and moderator Frans Prins (Beyond Berlin) where on stage to discuss transparency in the fashion industry, future consumer trends and the question: how important is the implementation of modern technologies for future minded fashion?

On Friday, the themes of the first conference day where deepened out and explored in several workshops, and the outputs where discussed with the audience. Parallel, Beyond Berlin organized a round table in collaboration with the International Association of the Natural Textile Industry (IVN). It had the goal to bring together NGOs and initiatives and formulate a common agenda that could be used by all participating organizations, politically as well as in communications.

As co-organizer I was responsible for the program and have led through the summit as moderator.